Literatura e quadrinhos são linguagens narrativas distintas. Entretanto quando abordamos a graphic novel Cachalote percebemos que a fronteira entre os dois gêneros é quase inexistente. O gibi Cachalote, lançado em meados de 2010, tem arte do filho do Laerte, o talentoso Rafael Coutinho e texto do jovem e respeitado escritor gaúcho Daniel Galera. Neste romance gráfico – talvez este termo nunca tenha sido tão bem usado quanto nesse caso – o Rafa trabalha dentro de seu ofício principal, mas o mesmo não pode ser dito do estreante – na área dos comics – Daniel Galera. Este último poderia ter escrito Cachalote como um conto e depois o texto ter sido adaptado para os quadrinhos, mas aqui não foi o que ocorreu – e nisso reside a grande novidade e talvez o grande valor desta obra.

Cachalote não é uma obra de roteiro adaptado, foi gerado a quatro mãos. Não, o Galera não desenhou, mas a história foi construída conjuntamente pelos dois artistas. “As ideias do livro vieram de nós dois e o desenvolvimento foi um esforço integrado. É claro que eu escrevi o roteiro e ele desenhou, são nossas especialidades, mas trabalhamos o tempo todo em cima de um processo criativo conjunto.” – palavras de Galera.

A simbiose entre os artistas (escritor e desenhista) na criação da história foi muito importante e talvez o que fez de cachalote uma grande história em quadrinhos e não apenas mais uma hq baseada na literatura.

Existe um escritor discípulo de Alan Poe que é conhecido pela alcunha de mestre do indizível, do impronunciável. Suas narrativas de horror costumam trazer o mínimo de descrições figurativas, ele costuma provocar terror em seus leitores a partir de sugestões de idéias que deliberam imagens específicas a cada indivíduo, mas que representam para todos o sentimento de medo. Um mesmo texto pode provocar diferentes espetáculos em cada imaginação. Estamos falando do escritor americano H.P. Lovecraft. Este recurso de falar sobre algo sem mostrar é sem dúvida uma das riquezas da literatura como linguagem narrativa. As histórias em quadrinhos são feitas de imagens, portanto provocar o espetáculo pessoal do “indizível” cai por terra, não é? Não. Daniel Galera e Rafael Coutinho conseguem parafrasear H.P. Lovercraft e nos oferecem um espetáculo visual ao mesmo tempo aberto e autônomo à criação de imagens. Vamos aos exemplos: A mulher mais bonita apresentada na hq tem sempre seu rosto oculto. O belo para mim é o mesmo para você? Qual o padrão de beleza de cada pessoa? Apesar da massificação de ideais de beleza pela mídia em geral ainda podemos ter gostos pessoais, graças aos céus! Um outro caso é quando uma personagem comenta com outro a respeito da cor de uma roupa, numa cena em preto e branco. Eu imaginei azul e você?

Assim Cachalote nos guia através de sete contos que abordam pessoas comuns em universos muito diferentes: uma senhora grávida que se banha com uma baleia na piscina da mansão, um ator chinês decadente e encrenqueiro, um escultor arrogante, um fetichista que ama uma mulher de vidro, um playboy e sua vida de compras ilimitadas e existência vazia e por fim uma menininha e seus pais separados que se encontram em função dela. Suas histórias têm em comum trajetórias humanamente possíveis muito bem costuradas pelos autores deste belo romance gráfico.

Em cima da mesinha da sala de estar encontra-se aberto um álbum repleto de recortes de jornais e revistas, e todos eles falavam da relação conturbada dos mesmos personagens. Os anos iam se passando e os personagens continuavam figurando na primeira capa dos periódicos.

Bárbara relembra o quanto tinha medo das histórias que seu pai contava. E ali estava ele, sentindo o peso da idade, mas cortando mais uma noticia e completando aquele álbum empoeirado. Gordon suspira, como se também fosse personagem principal de toda aquela história. E óbvio que a imprensa estreitava a linha limítrofe que os separavam.

Nesse meio termo, a campainha toca e, enquanto Gordon rastreia dentre as suas memórias sentimentos escondidos que parecem adormecidos, Bárbara vai prontamente atendê-la. “Deve ser a Colleen, nós temos aula de ioga hoje à noite”, fala. A porta se abre, e Bárbara imediatamente reconhece aquele sorriso amarelado e os olhos repletos de loucura. “Quem é?”, exclama Gordon, e o som de um tiro é apenas o que ouvimos. Ele e seus capangas adentram o apartamento e de imediato acertam Gordon fazendo-o cair no chão sem poder respirar. Bárbara com um buraco na barriga feito pelo revolver 38, não agüenta de dor. Como se isso não fosse o suficiente, pegam a garota e praticam atrocidades quem nem eu mesmo as consigo descrevê-las.

Seu plano: Deixar Gordon, comissário de Gotham City, tão sedento por vingança que então sua sanidade suma perante todas aquelas ferocidades.

Motivo: Ser o responsável por fazer com que as pessoas aflorem os seus sentimentos mais escusos. Ou melhor, ser ele mesmo, O Coringa.

Essa passagem é descrita em “A Piada Mortal”, graphic novel escrita por Alan Moore e publicada em 1988. E mesmo que a história seja distinta, foi daqui que Christopher Nolan retirou a essência para o seu Coringa. O Vilanismo do Coringa não se concentra no dinheiro e nem mesmo na extinção dos seus inimigos, e sim na criação do mais puro e completo Caos. E através deste aflorar nas pessoas uma maldade que para o Coringa é apenas a base de toda nossa sociedade. Utilizando a essência deste personagem tão bem retratado por Alan Moore, Heath Ledger dá vida a um Coringa que é a expressão de um medo um tanto incógnito, mas que deixa sua marca impregnada em cada frame da película. Durante todo o filme somos transportados a um universo tão aterrorizante e frenético que a única brecha para um suspiro é ao final dos créditos. Mas a ambientação de terror aqui utilizada não possui influências na Gotham sombria, suja e fantasiosa de Tim Burton, e sim na idéia de uma Gotham crível e real, podendo ser qualquer metrópole do mundo. E essa estrutura é determinante para que a história seja sentida por completo.

“Batman – O Cavaleiro das Trevas” atinge um nível de maturidade que é pouco vista no cinema, especialmente em Blockbusters americanos. O ideal do Cavaleiro Branco é contrastado com a essência do seu próprio personagem principal, um vigilante noturno que usa as próprias mãos para atingir a vingança exata. E sentir esse conflito moral do Batman é a estrutura narrativa ideal para que a história seja contada. Essa busca é a grande motivadora do Cavaleiro das Trevas, o entendimento que sua missão já foi cumprida e que Gotham necessita de um legítimo “vingador”, alguém sem máscaras, que seja transvestido de esperança. E enquanto analisamos atentamente o Homem Morcego e suas aflições psicológicas somos apresentados a um personagem que ilumina a tela sempre que aparece, que nos dá ânsia a cada tique ou olhar. Igualmente ao graphic novel, não sabemos ao certo sua origem e logo após percebemos que esta procura não nos dará uma sequer resposta. O filme nos mostra o primeiro contato entre os dois, e deixa claro que a relação beira um entendimento mútuo mesmo que mascarado por rivalidade. O Coringa necessita do Batman, e este, mesmo que não assuma, se sente tão perseguido quanto o seu inimigo.

O Coringa cria o Caos simplesmente porque não agüenta a hipocrisia e as mentiras espalhadas pela sociedade. Ele sente a necessidade de libertar as pessoas desse falso bem estar, e colocá-las em Xeque, esperando que alguém apenas dê o Mate. Para que assim a sua piada tenha graça.

Foi ótimo ver aqui no A Prancheta que Eduardo Rocha, nosso editor e blogueiro principal, ao passear em sua lua-de-mel se deparou com uma exposição de Takashi Murakami no Palácio de Versailles (chique né?), pois me obrigou a finalmente colocar no papel (?) o post do artista Yoshitomo Nara, um dos caras que mais curto vindos do lado de lá. Nara nasceu em Hirosaki, Japão, em 1959 e possui um trabalho bastante autoral. Claro que todos os trabalhos de artistas acabam por serem autorais mas o caso dele é um pouquinho mais. Nos últimos vinte anos a gente consegue perceber alguns artistas japoneses bastante influenciados pela ocidentalização no Japão. Cada dia mais a cultura do consumo, da música pop e estética ocidental se mesclando com olhares japoneses, criando verdadeiras belezas. Na literatura com Haruki Murakami e Banana Yoshimoto, na música como Shonen Knife, na moda com as produzidas meninas do bairro Harajuku, na arquitetura com os ganhadores do Prêmio Pritzker 2010, Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa. Enfim, tantos bons trabalhos sendo reconhecidos por refinamento e bom equilíbrio de suas origens japonesas e toques ocidentais. Admiro e gosto muito de todos eles.

Voltando ao trabalho de Nara, vemos meninas cabeçudinhas ou adolescentes com expressões às vezes de raiva, às vezes tristes, mostrando uma inquietação própria com algo que não sabemos identificar. Um mal humor ou angústia da humanidade pós-moderna que nos jovens transparece mais facilmente. Os pais de Nara desde muito cedo saíam para trabalhar e deixavam-no em casa sozinho com seus sonhos, ilusões e amigos fictícios, dando vazão para sua criatividade impressa em desenhos e pinturas infantis que perduram até hoje. Ele manteve em seus trabalhos a ingenuidade infantil aliada a expressões adultas. Uma das ilustrações mais famosas é a garotinha bravinha fumando um cigarro. Eu pelo menos vejo nesses trabalhos uma certa reclamação ou protesto do jovem Nara com seus pais que tantas vezes o deixavam só.

Yoshitomo Nara teve formação artística no Kunstakademie Düsseldorf, na Alemanha. Lá o principal contato artístico que teve foi com o expressionismo, movimento que traz à tona o que o artista está sentindo para as telas, mostrando como vê o mundo da sua forma mais interior. Artistas como Kirchner e Munch na arte figurativa e Willem de Kooning e Wassily Kandinsky no abstrato são artistas conhecidos do meio do século passado desta vertente. Em Nara vemos claramente a sua percepção e seus sentimentos traduzidos nas menininhas e cachorros tristes. Claro que nem tudo em seus trabalhos são tristezas e mágoas parentais, mas seu trabalho mais significativo e reconhecido é este, pois nos toca. Outra grande influência de seu trabalho foi a música. O rock e o punk habitam seu atelier e Nara chegou a fazer até uma capa de disco das meninas do Shonen Knife.

Confirmando esta sua constante crítica ao passado solitário, em algumas de suas exposições foram feitas instalações de quartos infantis adornados com ilustrações pelas paredes, brinquedos e lápis de cor e de cera espalhados pelo chão. Em uma delas uma escultura de uma criança sozinha dentro do quarto com uma fantasia de cachorro, intitulada de Sleepless.

Alguns críticos comentavam seu trabalho como influenciado por mangás e animes, acho que meramente por conta das figuras femininas infantis e de olhos grandes. Eu acredito que seu trabalho vai além dessa correlação e que a influência não é tão grande quanto se disse. Por ser japonês e ter uma estética que em alguns trabalhos se assemelha não podemos simplesmente tachar ou avaliar a influência dessa forma. Quando vejo seu trabalho minha primeira impressão não é de um mangá diferente ou sendo esta uma de suas principais referências, mas sim um trabalho original.

Não sei se é uma impressão minha, mas vejo uma proximidade do trabalho de Nara com uma personagem muito conhecida da América do Sul, a Mafalda. Desde muito pequeno meus pais me incentivavam a ler Mafalda e quando fui crescendo, fui percebendo que ela era a “perfeita política”. Mafalda é uma criança por volta de seus 5 anos imersa num mundo infantil e contestadora por natureza. Como foi criada na segunda metade do século XX pelo quadrinista argentino Quino, a personagem contesta a Guerra do Vietnã, políticos em geral, decisões da ONU, interferências no meio ambiente, ao mesmo tempo em que faz birra contra a mãe para não comer, pois odeia sopa. Por isso a considero a “perfeita política”, pois ainda está imaculada à ganância, egoísmo e outros sentimentos que costumamos ver na política. É nesse retrato da ingenuidade livre, pura e boa discutindo temas adultos, que sinto a similaridade entre os artistas. Sei que são duas estéticas bem diferentes, mas parando para pensar, se parecem em aura.

Para este post eu pensei em algo especial. Tenho alguns postais que comprei do Yoshitomo Nara há alguns anos e que usei poucos. Então, já que não temos previsão de nenhuma exposição dele aqui no Brasil, eu vou enviar para as primeiras cinco pessoas que comentarem neste post um postal com alguma obra dele. Infelizmente não consegui scanear os postais, então vão ser na surpresa mesmo!

Depois de comentar basta enviar um e-mail para mim com seu endereço que enviarei o postal em branco num envelope. Assim você pode enviar para alguém se quiser.

Pronto, posso dizer que nunca li uma romance com 700 páginas tão depressa. E acrescentar: uma das melhores leituras de quadrinhos que fiz nos últimos anos. Sabe aquela sensação saudosa que nos chega ao fim dos bons romances? Uma vontade de poupar as últimas páginas… Assim.

Umbigo Sem Fundo é uma profunda história de um curtíssimo período da vida de um pós adolescente junto a seus familiares. O gancho mesmo da narrativa é a separação de seus pais, já idosos. O personagem central é o adolescente e toda a história gira em torno dele. O drama que sacode a família rebate naquele jovem em plena idade do “não estou nem aí cara, eu também tenho meus problemas”. Um dilema e tanto, o tal amor de verão.

Peter está mesmo é preocupado com o ir e vir das ondas e os desenhos que se formam na fumaça do baseado. Contraste total com a condição de quase histeria de seu irmão mais velho que não consegue compreender as motivações da separação de seus pais. O primogênito resolve então investigar o passado da família abrindo o baú de cartas trocadas por seus pais ainda nos tempos de namoro. Nessa parte o gibi traz um curioso quebra-cabeça, em forma de uma carta enigmática, que esconde o porquê do título. Vale a pena resolvê-lo.

Os desenhos despretensiosos, tipo não-sei-desenhar do Dash, conduzem uma narrativa muito agradável de acompanhar, repleta de minimalismos e detalhes nonsense que preenchem a história com leveza e realismo. A linguagem dos quadrinhos é muito bem utilizada: o Peter se aparenta um sapo para todos – e é desenhado como tal – menos para sua namorada e isto é mostrado de maneira tão sutil que pode escapar aos olhos do leitor menos atento.

Esta é a única obra do jovem autor publicada no Brasil, mas o cara tem um site com muito material disponibilizado online, aqui. Veja aqui uma pequena entrevista feita quando ele esteve no Brasil na Bienal do Livro. E aqui algumas passagens de Umbigo Sem Fundo animada.

Muito legal a série de retratos geométricos de heróis e vilões (a maioria é X-Men) do ilustrador Jamie Roberts aka Jam-Wah. Fiquei com vontade de ler um gibi inteiro com esses traços. Seria bom ver as grandes editoras apostando em ilustras mais autorais de vez em quando.

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www.jam-wah.deviantart.com