Quem nunca se perguntou como teria sido diferente a história da galáxia muito, muito distante, caso Darth Vader pudesse ter criado os próprios filhos? Luke certamente teria amolecido seu coração negro e Vader estaria às voltas com as questões básicas da paternidade. Nada de empurrar os coleguinhas, ou comer biscoitos fora de hora. E tem de dividir os brinquedos com a irmã.

É esse universo surreal que Jeffrey Brown nos traz em “Darth Vader and Son”, lançado há dois meses e disponível por apenas 10 dólares na Amazon.com. Diversão garantida para qualquer fã e pai.

Moebius era um francês que ganhava a vida desenhando quadrinhos de faroeste com um traço tradicional, quando resolveu desenhar ficção científica com um estilo novo e assim se tornou conhecido e admirado no mundo todo.

Se você parar de ler esse texto por aqui já poderá dizer que sabe quem era o influente artista francês que nos deixou no último sábado, 10 de março. Porém eu recomendo que acompanhe até o final e em seguida corra para ler algumas obras do mestre. Aposto que isso o tornará um novo fã, se ainda não o é.

Jean Henri Gaston Giraud, iniciou sua carreira desenhando quadrinhos de western, e tem no personagem Blueberry o ponto alto desta fase. No começo dos anos 1970, influenciado pelos quadrinhos belgas da chamada linha clara, o artista assumiu o pseudônimo de Moebius e passou a desenhar no novo estilo que o consagrou.

Artista ousado, Moebius chegou a desenvolver alguns projetos sem planejamentos, como roteiros ou mesmo esboços. Nesse conjunto temos as histórias que compõem a coletânea, recém lançada no Brasil, Absoluten Caufeutrail (Editora Nemo) e o álbum Garagem Hermética. “Esse método permite mudanças de direção relativamente brutais, podendo o prazer nascido da execução de um desenho levar a uma bifurcação inesperada da história”, diz Moebius comentando o fato de ter executado estas histórias de forma
aleatória, decidindo o rumo dos personagens ao final de cada página desenhada.

Apesar de roteirizar e desenhar grande parte de suas histórias, temos dois escritores que se destacam ao lado do mestre, Alejandro Jodorowsky e Dan O´Bannon. A saga do Incal foi feita com o Judorowsky e o Dan acompanhou Moebius em The Long Tomorrow, uma hq decisiva na sua carreira cinematográfica pois define muitos dos filmes em que o francês trabalhou.

Moebius trabalhou diretamente em Alien, Duna, Tron, Willow, O Segredo do Abismo, O Quinto Elemento entre outros. Foi convidado para trabalhar na equipe de Blade Runner, mas declinou, pois no momento estava envolvido na animação Mestres do Tempo. Mas mesmo assim é muito clara a influência do mestre sobre o filme do Ridley Scott. Em O Quinto Elemento, de Luc Besson, fica muito clara a participação do artista em todo o visual do filme, visual este baseado na sua hq The Long Tomorrow.

Assim como o início de carreira de Jean Giraud foi marcada pela influência do seu mestre Jijé (vide estilo usado na hq Blueberry), a obra do Moebius deixa sua marca em muitos outros artistas dos quadrinhos. Aqui no Brasil podemos citar o Watson Portela, que tem em sua hq Paralelas uma grande
fase dessa influência e, para falar de um da nova geração, temos o Rafael Grampá, que mostra esta influência de forma muito sutil no seu excelente trabalho.

Parte um de um doc sobre Moebius:

Nota: Eu fui apresentado à obra de Moebius na pré-adolescência, num tempo em que não éramos bombardeados com a carga de imagens dos dias atuais, ou seja, nossa percepção era completamente diferente. Eu não conseguiria descrever o que senti, nem mesmo se tentasse. Só posso garantir que são impressões intransferíveis, só quem viveu sabe. Moebius viverá para sempre aqui dentro.

Na maioria das vezes, as histórias de terror possuem um caráter alegórico sobre alguma característica ou crítica de sua sociedade. O lobisomem é um exemplo da funcionalidade artística de construir uma analogia no mundo em que vivemos. Com a figura do transmorfo, as obras do homem-lobo conseguiam muito bem essa representatividade do oprimido social. Além de outros exemplos típicos de monstruosidades que referenciavam às guerras, à fome, às epidemias, e a tantas outras mazelas. Mais recentemente, durante os anos 80, o gênero Slasher, mais conhecido pelos expoentes Jason em “Sexta-Feira 13”, Michael Myers em “Halloween”, e Freddy Krueger em “A Hora do Pesadelo”, foram ferramentas para o freamento da revolução sexual nos EUA. Os filmes sempre retratavam grupos de jovens em momentos de diversão sendo vítimas pelo seu comportamento. Outro gênero que obteve muita importância para o mundo do terror foram os filmes de zumbi. Da forma como conhecemos hoje, ninguém teve mais valor que o americano George Romero. Completamente inspirado na tensão da guerra fria e na possibilidade de ataques nucleares, Romero recriou em seus filmes essa condição paranóica de fim do mundo. Através de “A Noite dos Mortos-Vivos”, de 1968, o cineasta também conseguiu fazer uma analogia à massificação da sociedade e da sua capacidade de ser controlada pela mídia e políticas públicas. Por isso dos zumbis andarem em bando, lentamente, sem nenhum tipo de autonomia, a não ser o instinto de comer carne. Seus trabalhos foram inspiração para muitos artistas, tanto no cinema, quanto na literatura e quadrinhos. E é nesta última que surgiu a grande obra da atualidade: The Walking Dead.

Escrito por Robert Kirkman, The Walking Dead – aqui no Brasil traduzida como Os Mortos-Vivos – conta a história de um policial que acaba de acordar de um coma (inspiração já declarada de outra obra fantástica do gênero: “Extermínio”, do inglês Danny Boyle), e encontra-se em um hospital repletos de criaturas deformadas e comedoras de carne. Desesperado e confuso, Rick vai atrás de sua família e durante essa procura tenta entender o que aconteceu com o mundo enquanto estava deitado em um leito.

O Apocalipse Zumbi em questão nunca é tratado como uma situação a ser solucionada, o foco de toda a história é a capacidade dos seres humanos de sobreviver e as relação interpessoais dos seus personagens. Mesmo sendo utilizado como personagem principal, Rick Grimes é apenas o escopo do que devemos ou podemos acompanhar. Todos em sua volta possuem uma importância para a narrativa e, obviamente, uma influência, às vezes negativa, para o personagem que estamos perseguindo durante esse caos. Rick, igualmente a Jack de “Lost”, possui um status que o leva obrigatoriamente a ser líder. Enquanto na ilha, a necessidade de um médico era latente, no mundo caótico dos mortos-vivos, uma policial nos remete imediatamente à liderança e o instinto de sobrevivência se tornam mais úteis e eficazes.

Mas o principal de toda a série e o responsável por todos os elogios e sucesso, é a sua capacidade de discutir a corrupção de uma sociedade e como isso afeta a humanidade de seus personagens. Robert Kirkman, através de um texto extremante coeso e corajoso, nos desafia subjetivamente a tomar as decisões juntamente com seus personagens nos incluindo dentro da atmosfera. Os personagens durante toda a saga vão se distanciando da sua própria humanidade, se tornando cada vez mais pessoas cínicas e deseperançosas, o que consequentemente as levam a praticar atos que não as diferem dos próprios zumbis.

O quadrinho, durante suas primeiras edições, foi desenhado pelo artista Tony Moore, que deu um melhor detalhamento aos traços, mas que substituído por Charles Adlard, escolheu um caminho mais rústico, deixando às vezes o visual tão caótico quanto o mundo retratado. Fugindo das cores (exceto por suas capas), e trabalhando apenas com preto, branco e tons de cinza – feitos por Cliff Rathburn – a estética funciona claramente como um analogia aos limites do certo e errado e como sua escolhas podem ser interpretadas.

Robert Kirkman criou um universo fantástico, mas que se aproxima muito da nossa realidade e consequentemente do nosso futuro. Mas uma coisa que se aprende rapidamente com Os Mortos-Vivos é ter desapego emocional a seus personagens, porque nunca se sabe quem morrerá em seguida.

A poesia tem sido um dos elementos fundamentais dos novos quadrinhos argentinos. O álbum Éden vem confirmar esta premissa. O autor Pablo Holmberg – que assina como Kioskerman -, nos oferece um reino encantado, um paraíso onde a natureza e suas sutilezas são o personagem central. Filosofia e romantismo são servidos em doses certeiras num universo que poderia ser definido pela palavra idílico.

Como transformar árvores, cantos de pássaros, a água, o vento, a tempestade em personagens sem soar caricato, chato ou mesmo “viajado”? O gibi consegue realizar isto nos entregando momentos bucólicos com pitadas sutis de humor tímido e por vezes negro. Este último funciona como um útil ingrediente para equilibrar a mistura.

Os personagens de Éden não expressam emoções em seus rostos e os balões de fala economizam palavras. Tudo é feito de forma delicada, como uma boa poesia, e muitas vezes temos de contemplar a tira por um tempo a mais para sermos… tocados.

A formatação das tiras em quatro quadros determina um timing diferente do que estamos acostumados a ver neste tipo de quadrinhos, onde geralmente a divisão em três tempos predomina. São quatro quadros regidos por uma métrica graficamente poética.

O Pablo Holmberg, que é posterior a Liniers (já resenhado aqui), diz que o trabalho do autor de Macanudo é que o encorajou a se lançar como cartunista. Mais um motivo para adorarmos o mais festejado autor argentino de quadrinhos atualmente.

A Internet se coloca aqui novamente como propulsora de trabalhos artísticos. Toda tira do Kioskerman estreia primeiro no meio eletrônico, dentro de seu site e depois é que temos compilações editadas e impressas. Foi também a Internet que acabou batizando o Pablo como Kioskerman. Ele conta que, no início, queria batizar seu site com o nome de sua tira inicial, “Señor del Kiosco”, mas a impossibilidade de usar “ñ” nos domínios web o levou a cunhar o termo “kioskerman”. Isso levou o público a pensar que ele, era o tal homem do Kiosco (banca de jornais e revistas, em “argentino”). Passou a ser conhecido desde então desse modo.

Sempre que estou lendo quadrinhos em geral, fico pensando no trabalhão que dá fazer todos aqueles desenhos. A gente apenas passa os olhos nos balões e sai devorando as páginas sem dar muita atenção aos pobrezinhos dos desenhos. Fica restando para estes apenas a nossa nublada visão periférica. Então, chegou um quadrinhista para se vingar dessa malvadeza.

Não há como compreender os quadrinhos do Rafael Sica sem examinar com cuidado seus desenhos. É que não há texto e só nos resta examinar o grafismo para sacar suas idéias incomuns, e as vezes absurdas. Digo examinar, pois é isso que tem de ser feito: uma olhada rápida é insuficiente para extrair lógica naquela aparente zona non sense total. O próprio autor diz que prefere sua obra sem texto pois isso a torna aberta para cada leitor criar seu próprio texto, tirar suas próprias conclusões.

Nada é inédito no livro do Sica editado pela Quadrinhos na Cia. Tudo saiu do blog do autor que é onde suas tiras aparecem primeiro. Lá é onde o público desce o pau, elogia, fala o que quer. Mas o Sica apenas observa sem interferir ou responder nada. Aliás, os comentários são um capítulo à parte no blog do Sica. Os seus leitores estão sempre xingando o autor, rasgando elogios ou mesmo tentando amarrar um sentido único para seus quadrinhos. São simplesmente imperdíveis. O autor até mesmo já utilizou as falas que aparecem por lá numa série de tiras. É muito bacana esta “conversa” entre o autor e seus leitores. O livro não te dá esse suporte, é uma leitura solitária.

Acompanhe o blog do Sica que é recheado de quadrinhos.