Rick não pôde ir novamente ao CinePe nesta quinta, mas desta vez eu consegui marcar presença. Vamos aos filmes:


Dia 29.04.10 – Dia 4

Do Morro? (Digital, Documentário, Direção: Mykaela Plotkin e Rafael Montenegro, 20’, PE): Enquanto filme, Do Morro? não comete erros. Montagem, fotografia, roteiro, direção, tudo estava muito bem amarrado e tornou o filme bastante agradável e mesmo interessante. Por outro lado, ver uma pseudo-elite intelectual pernambucana exaltando João do Morro como um cronista social, rótulo este que ele assume com orgulho, é de dar pena. Apenas o músico China parece ter um pouco de bom senso, debochando do rótulo e afirmando que João do Morro é apenas uma pessoa divertida e que tira bom proveito disso. O filme até tenta parecer imparcial e mostrar o outro lado, mas não faz isso com muito sucesso. No geral, soa mais como propaganda que como discussão. Talvez esta tenha sido a intenção, afinal, como disse um verdadeiro morador do morro, João é de Boa Viagem. Do Morro é sua logomarca. 3/5

Ensaio de Cinema (Digital, Ficção, Direção: Allan Ribeiro, 15’, RJ): Dividido em três atos irregulares, este curta baseado num espetáculo de dança parece errado desde o princípio. Retratando cenas cotidianas sem nenhuma relevância, a primeira emoção que consegue causar é a de alívio e frustração quando a tela fica escura pela primeira vez. Para piorar, no meio deste ato o áudio sumiu e o filme teve que recomeçar. Num segundo ato, nos deparamos com uma performance de dança contemporânea, narrada como um ensaio de cinema cheio de referências à grandes filmes europeus e o filme parece achar um propósito. Se este ato não apaga totalmente a frustração do primeiro, pelo menos a enfraquece. Mas ao invés de terminar por cima, o diretor comete o erro de introduzir um terceiro e último ato com mais cenas de conversa fiada, dessa vez sobre o cinema brasileiro, cuja exaltação soa como obrigação. 2/5

A Montanha Mágica (35 mm, Documentário, Direção: Petrus Cariry, 13′, CE): Ao tentar fazer um filme sobre infância e antigos parquinhos de diversão com a intenção declarada de gerar nostalgia, a única coisa que o diretor consegue é nos encher de tédio. A narração constante não diz absolutamente nada e os efeitos sonoros, se tinham algum propósito, era o de irritar as pessoas. A fotografia também foi outro erro. Nas cenas noturnas era extremamente escura, causando a impressão de que faltou técnica ou verba para realizar o filme como deveria. Na sequência final, de dia, era sem contraste e com cores desbalanceadas, aparentemente para remeter a fotos envelhecidas, o que até funcionou em algumas das longas imagens estáticas, mas não no geral. Com certeza foi o grande fiasco da noite. 1/5

Circuito Interno (35 mm, Ficção, Direção: Júlio Martí, 15′, SP): Falado em português e espanhol, com legenda também bilingue, este curta tem como único objetivo denunciar a exploração de mão de obra boliviana por empresários brasileiros, mas nem isso faz bem. São 15 minutos de colagens de cenas aparentemente inúteis e sem conclusão de qualquer tipo. Algumas dessas cenas são mostradas através das câmeras do circuito interno de uma confecção, com a tela dividida em quatro, onde também não acontece absolutamente nada. A mensagem do filme só chega mesmo ao público com um texto explicativo que antecede os créditos de encerramento. 2/5

Faço de Mim o Que Quero (35 mm, Documentário, Direção: Sérgio Oliveira e Petrônio Lorena, 18′, PE): Com 3 roteiristas assinando este curta, a impressão que temos é a de que não houve consenso e decidiram não utilizar roteiro algum. É apenas uma sequência ilógica de cenas do meio brega recifense, mostrando carroceiros de cd pirata, rádios, programas de auditório, shows de Kelvis Duran, de João do Morro e do Conde. Focando quase sempre em figuras caricatas que facilmente se tornariam hits do YouTube, o filme os ridiculariza causando gargalhadas de um público que após bater palmas acha que está valorizando e respeitando o brega. Ao apresentar o filme no palco, os produtores pediram para assistirmos sem preconceitos. Ironicamente, o preconceito se mostra presente a cada segundo do curta. Uma excelente surpresa, no entanto, foram os incríveis créditos finais. Realmente uma sequência de tirar o chapéu. 3/5

Azul (35 mm, Ficção, Direção: Eric Laurence, 19′, PE): Inspirado no conto “Uma doce maneira de ir morrendo”, de Luzilá Gonçalves, Azul é uma história de solidão e das fantasias que criamos para suportá-la. Através do cotidiano de uma velhinha analfabeta que procura diariamente uma vizinha para ler a carta do filho ausente, somos submetidos a um espetáculo sensorial belíssimo, de um refinamento e sensibilidade ímpar. A direção de arte e a fotografia dão shows à parte, utilizando com maestria luzes, objetos e detalhes de todo tipo em diferentes tons de azul. 5/5

As Melhores Coisas do Mundo (35 mm, Ficção, Direção: Lais Bodanzky,100’, SP): Se Malhação não tivesse que durar um ano inteiro e pudesse abordar naturalmente temas como pais homossexuais, estudantes maconheiros, prostitutas e suicídio, talvez fosse exatamente igual ao novo longa de Bodanzky. Comparações à parte, é um filme bem construído, divertido e com bons personagens, principalmente no núcleo adolescente. Apesar da juventude retratada lidar com problemas ligeiramente diferentes dos de anos atrás, como a superexposição da internet, por exemplo, há muitos momentos que nos trazem boas lembranças dos tempos idos de escola. No fim das contas, é um filme sobre a adolescência e para adolescentes. Cumpre perfeitamente o que se propõe. 4/5

Antes de tecer os comentários sobre os filmes de ontem, gostaria de dizer que tive o prazer de assistir a todos os filmes ao lado da nossa leitora Josy que se mostrou uma simpatia, algo não tão diferente do que ela demonstra todos os dias aqui n’A Prancheta. Então, vamos aos filmes:


Dia 27.04.10 – Dia 2

Corpo Urb (Digital, Ficção, Direção: Mariane Bigio ,10’ 46”, PE): Baseado em um poema escrito pela própria diretora do filme, Corpo Urb tem início de uma forma extremamente satisfatória, onde compõe imagens muito bem trabalhadas juntamente com uma trilha sonora dramática e impactante. Durante um bom momento comparei essas imagens a um espetáculo de dança contemporânea. Mas tudo ser perdeu. Como falei inicialmente, o filme baseia-se em um poema, e este é narrado durante todo o curta. O que acontece é que essa literalidade da adaptação deixa confuso e simbólico demais. O que poderia ser um filme com imagens interessantíssimas se tornou em um filme típico “de CinePE”. 2/5

Eu Queria Ser um Monstro (Digital, Animação, Direção: Marão ,8’, RJ): Utilizando com categoria a linguagem de Stop Motion, o filme possui uma história adequada, uma ótima dublagem e efeitos criativos. Contando a história de um garoto que sonha em ser um monstro (intercalando este com animação 2D), o filme é simples mas bem estruturado e foca numa convivência familiar a partir dos olhares da criança. (O filme foi exibido duas vezes por problemas técnicos. Durante o filme o áudio sumiu inúmeras vezes.) 3/5

O Divino, de Repente (35 mm, Animação, Direção: Fábio Yamagi , 6’ 20”, SP): Mais um filme sobre um sertanejo, ou homem do povo, que possui um carisma para contar histórias. Pensei. Diferentemente do filme “Lá Traz da Serra” exibido ontem, o diretor é suficientemente inteligente para criar uma releitura desses filmes já tão assistidos. Ubiracy Crispim de Freitas, mais conhecido como Divino é um repentista e durante todo o filme nos presenteia com seus versos. A diferença é que o diretor utiliza outras linguagens como animação e seqüências fotográficas (idéia do próprio Divino) para contar os repentes do cantador. Infelizmente, Divino fala muito rápido e fica bem difícil de entender o que ele fala. Bem que o filme poderia ter as legendas que foram mal utilizadas em “Lá Traz da Serra”. 3/5

Senhoras (35 mm, Ficção, Direção: Adriana Vasconcelos, 10’ 30”, DF): “Na véspera de nada. Ninguém me visitou”. São com esses versos de Fernando Pessoa que o filme se inicia, e com certeza tem relevância para os acontecimentos seguintes. Mas “Senhoras” não consegue criar um interesse por aqueles personagens e aborda a situação das duas senhoras de uma forma extremamente óbvia. As composições de cena são limitadíssimas, chegando a criar planos que determinavam o que aconteceria segundos após. Basicamente o filme dependia do seu ato final. Só que para o desfecho ter algum impacto, a história deveria ter se conectado com espectador, algo que não aconteceu. 2/5

Cinema de Guerrilha (35 mm, Documentário, Direção: Evaldo Mocarzel, 90’, SP): “A elite abre o caminho e a periferia realiza”, diz um dos personagens. E é exatamente disso que o documentário trata. A aproximação da comunidade na realização da arte e da cultura. O filme acompanha pessoas que através do mesmo projeto puderam ter esse contato com o cinema e que agora tentam repassar os ensinamentos a outros jovens de comunidades diferentes realizando oficinas de audiovisual. Interessante desde o início, basicamente por ter personagens inteligentes e sempre com algo a dizer, o documentário explora ao máximo a condição dessas pessoas quererem dizer algo, mas que não possuíam as ferramentas adequadas. E o filme consegue abordar que o cinema é uma dessas ferramentas. Infelizmente, o documentário é em vários pontos muito disperso, me parecendo que o próprio diretor ficou tão encantado com as imagens captadas que não conseguiu podá-las de uma forma que deixasse o filme mais enxuto e com isso mais eficiente. 4/5

O Homem Mau Dorme Bem (35mm, Ficção, Direção: Geraldo Moraes, DF): Quando o filme chegou ao seu final, a primeira coisa que me veio à mente era que o argumento daria um ótimo curta-metragem. E com certeza isso não é um elogio. Claramente encantado pela sua história, o roteirista impõe uma narrativa não linear (que parece mais um flashsideways a la Lost.) sem sentido algum. Dependente ao extremo do seu ato final, o filme tenta preparar a tal revelação final sem sucesso algum já que esta fora descoberta meia hora antes do filme acabar. Com personagens paralelos inúteis e motivações inconstantes, o filme se torna arrastado e sem sentido. 2/5

Este semana temos o festival de cinema (ou do audiovisual) e faremos uma cobertura diária aqui no blog, comentando cada um dos filmes exibidos. A princício, nosso colunista Rick Monteiro fará a cobertura, mas em alguns dos dias farei eu. Fiquem ligados.

Ontem, dia 26 de Abril, começou o XIV Cine PE – Festival do Audiovisual. E obviamente que o colunista que vos escreve estava lá para acompanhar o primeiro dia do principal festival de cinema de Pernambuco e tentará ao máximo deixar essa cobertura a mais completa possível. Então vamos aos filmes:


Dia 26.04.10 – Dia 1

Tanto (Digital, Ficção, Direção: Nataly Callai ,8’, SC): Apostando em uma estrutura narrativa extremamente cadenciada, o filme tenta criar um minimalismo através da fotografia em preto e branco, da câmera quase estática e de um personagem que inicialmente interessava por sua falta de ações. Mas, o filme tenta. E só. A obviedade do desfecho narrativo chega a ser embaraçoso e aquele minimalismo que imaginávamos no início do filme soa infantil e enganativo. A fotografia é errada do começo ao fim. Os planos, na maioria estáticos, parecem filmar uma peça de teatro, e essa abordagem retira o peso dramático do filme. Além da escolha do preto e branco que na maioria das vezes não passa de um recurso pra deprimir a história quando não se tem conteúdo para se alcançar o objetivo. 1/5

Lá Traz da Serra (Digital, Documentário, Direção: Paulo Roberto, 8’, PB): Esse curta-documentário conta a história de uma família que vive (sobrevive) isolada do mundo na Serra de Santa Catarina. Seu Antônio de Epitáfio é o pai da família e basicamente o centro da história. Carismático, falador, trabalhador e consciente de suas dificuldades, Seu Antônio é um personagem interessantíssimo, mas infelizmente essa abordagem já foi vista em outros documentários. Essa pessoa simples, pobre, sem educação acadêmica mas que possui um vasto conhecimento da vida. O filme é bom. Quer dizer, o personagem é bom. E todos os elementos externos a esse personagem tão rico é minado pelo diretor. A inclusão das legendas (aparentemente para facilitar o espectador em entender o que Seu Antônio fala) é de muito mau gosto. A transcrição exata de como Seu Antônio se expressa através de aspas, apontando seus erros, fez exatamente o que o diretor gostaria: risos da platéia. E isso, no final das contas, não me pareceu uma homenagem a um cidadão trabalhador e honesto, e sim um desprezo àquele que não teve oportunidade na vida. 2/5

Bailão (35 mm, Documentário, Direção: Marcelo Caetano, 16′, SP): Esse documentário traz depoimentos de pessoas que frequentaram ou frequentam a boate gay Bailão. E demonstram a importância que a boate teve aos seus freqüentadores em manifestar os seus sentimentos verdadeiros e fugir da repressão machista da década de 60 e 70. A maioria dos depoimentos vêm de homens mais velhos, beirando os 60 anos. Algo que deu um frescor a temática, já que sempre vemos filmes de afirmação ao movimento gay explorando os mais jovens. E no caso desses senhores que passaram por uma sociedade muito mais conservadora, o filme consegue um conteúdo diferenciado e original. O filme é belissimamente filmado, e consegue mesclar momentos de tristeza, como o início da Aids, com momentos de diversão e liberdade. “Já que não posso mudar a sociedade, vou me mudar”, diz um deles. Mas sinceramente acho que já conseguiram iniciar essa mudança. 4/5

O Filme Mais Violento do Mundo (35mm, Ficção, Direção: Gilberto Scarpa, 17′, MG): Existem aqueles filmes que não servem para nada. Esse é um deles. Não serve nem para descer a lenha, porque o filme não é péssimo. Mas é inútil. Conta a história de um cineasta quebrado, fracassado e teimoso (porque de acordo com um dos personagens “todo cineasta é teimoso”). E ao procurar um produtor (numa sequência de diálogos que lembra muito o curta Tarantino’s Mind) consegue ser convencido que para se fazer sucesso precisa-se ter Violência, Sexo e Drogas (“algo que o cinema pernambucano nos ensinou” diz o personagem de Abujamra, na melhor tirada do filme. Gostaria de ter visto a cara de Claudio Assis ao ouvir essa declaração). E o filme é isso. Tenta ser comédia sem ser. A única coisa que consegue é ser bizarro. E não de uma forma interessante. 2/5

Recife Frio (35 mm, Ficção, Direção: Kleber Mendonça Filho, 20′, PE): Com certeza o grande filme da noite. Kleber Mendonça Filho mostra mais uma vez porque é um dos curta-metragistas mais interessantes e consistentes do país. Utilizando um recurso semi-documental, ao incluir um programa jornalístico estrangeiro que veio a Recife para investigar o estranho fenômeno de mudança climática na cidade, Kleber consegue criticar sem parecer pedante, e faz um filme agradável, engraçado e com conteúdo. Buscando a comédia, o filme passeia pala cidade do Recife, intercalando com imagens reais e interpretações interessantes de personagens recorrentes da vida de um recifense. Espero que essa extrema regionalização temática não o transforme apenas em um “filme apenas para recifense ver”. 5/5

O Bem Amado (Ficção, Direção: Guel Arraes,107 ‘, RJ): Baseado na novela homônima escrita por Dias Gomes, O Bem Amado não deixa de ser um filme de Guel Arraes. A sua dinâmica narrativa é explorada ao máximo, deixando sempre a sensação de já termos visto aquilo outra vez. A diferença é que se antes funcionava, como em “O Auto da Compadecida” e “Lisbela e o Prisioneiro”, agora essa narrativa se torna desgastada e óbvia. O filme possui momentos bons, como o paralelo daquela pequena cidade com a história do país, mas perde-se em sua falta de congruência e unidade narrativa. A trilha sonora é ótima (como todos os outros filmes do diretor), mas as músicas originais não funcionam, deixando o filme mais caricato, algo que a direção de arte também ajuda a tomar esse rumo escolhido. Alguns personagens não possuem utilidade alguma (como a filha de Odorico interpretada pela atriz Maria Flor – e que durante inúmeros momentos a inflexão da sua voz lembra a da personagem de Débora Falabella em Lisbela e o Prisioneiro). O filme tem seus momentos de graça, e mesmo Marco Nanini se esforçando para sustentar a película, o filme peca pelo excesso e não nos traz nada de novo. 3/5

Há exatos dois anos morria um dos melhores atores de sua geração e com certeza um dos mais promissores: Heath Ledger. O seu poder interpretativo a cada filme ia se tornando maior, a sua mensagem comecava a ultrapassar as barreiras de Hollywood, mas infelizmente aos 28 anos uma overdose acidental lhe tirou a vida.

Se perguntar ao querido amigo e colunista d’A Prancheta, Vicente Masip, qual o personagem mais impactante do cinema recente, a resposta com certeza seria Sonny Grotowski (Heath Ledger) em A Última Ceia (Monster’s Ball, 2001). Aqueles 15-20 minutos em que Heath se encontra na tela é puro cinema.

O post de hoje é uma lembrança do ator australiano que deixou e deixa muita saudade. Um texto antigo que foi escrito na época de Brokeback Mountain:

Que John Wayne que nada!!

Desde que o mundo é mundo a homossexualidade existe. Desde a Grécia antiga há registros, e são vários, de comportamentos em padrões de normalidade. Infelizmente, na cultura contemporânea a homossexualidade tem sido, até então, a marca de um estigma. Sempre sendo tratados com certa marginalização aqueles que não possuem preferências sexuais de acordo com determinados padrões da moralidade. Como se isso pudesse ser controlado e colocado dentro de um “padrão normal”. Mas afinal, por que isso incomoda tanto as pessoas? Na Inglaterra, até há pouco tempo tal preferência sexual era considerada crime. E o interessante e positivo é que hoje a Inglaterra é um dos primeiros países que legalizaram o casamento entre pessoas do mesmo sexo.

Por que identificar socialmente as pessoas por suas preferências sexuais? Por que nos interessamos tanto pela preferência sexual das pessoas, a ponto de julgarmos muito importante identificá-las sociomoralmente por este predicado? O interessante é ter consciência disso, e tentar de uma forma inteligente, possivelmente pela cultura, modificar a visão das pessoas sobre essa temática. Embora a cultura norte-americana insista em provar que o homossexualismo seja uma doença, as sociedades mais avançadas culturalmente têm tentado derrubar essa tese através da melhor forma possível.

E eu acredito que esta forma esteja presente na melhor arma contra a discriminação: a ironia, o sarcasmo, a crítica, o descrédito, a surpresa e o desprezo por tudo aquilo que lhe dá suporte. E o principal, o tratamento igualitário, a vida cotidiana, o simples e velho costume. Enquanto, os homossexuais sentirem que têm algo a provar, nada conseguirão. Ou mesmo, ao tentarem a todo custo uma demonstração de superioridade inexistente, já que no final das contas o que eles querem é sentirem inclusos e iguais, sem terem que ser taxados disso ou daquilo.

E Ang Lee, em “O Segredo de Brokeback Mountain”, acerta quando trata a história numa ótica de amor proibido, e não de uma forma esquemática, ou publicitária. Entre eles, a única coisa que importa é a vontade de estarem juntos, o amor que sentem um pelo outro e a dor de não poderem viver este amor como gostariam. Por que este amor é reprovável?

É aí que o roteiro, adaptado do conto de E. Annie Proulx é formidável. Esse amor é reprovável porque Ennis e Jack e vivem em pleno centurião bíblico norte-americano e são nada mais nada menos que cowboys. Figura mais masculina impossível. São então contratados para cuidar de um rebanho de ovelhas na tal Brokeback Mountain. Com isso, começam a se conhecer melhor, lamentarem as suas vidas e vão assim criando laços, mesmo que quase imperceptíveis. Ang Lee juntamente com seus roteiristas, toma um caminho muito acertado, a figura masculina não é quebrada. O filme destigmatiza essa idéia de gays = mulheres. Ambos brigam como homens, trabalham como homens, bebem como homens e fazem sexo como homens. A escolha sexual nada tem a ver com seus comportamentos. Essa foi a primeira genialidade da película.

O outro ponto positivo reside na delicadeza e sutileza que o relacionamento é mostrado de acordo como o tempo vai passando. Depois da 1° experiência na montanha, o espectador só percebe que ambos continuam se comunicando, quando Ennis ao receber um postal ler que Jack recebeu sua carta e que está chegando. Que por sinal, outro momento formidável é esse reencontro, que nada beira o clichê e demonstra a intensidade do relacionamento.

As atuações são absolutamente impecáveis. Jack Gyllenhaal, nada parece com o deprimente Donnie Darko. A sua paixão por Ennis e a vontade de encarar a sociedade, de declarar o seu amor é evidente. Já Heath Ledger, sempre mais calado, aposta num Ennis completamente cowboy. Quase não abre a boca, possui um sotaque bem mais acentuado, e diferentemente de Jack Twist (personagem de Jack Gyllenhaal), não consegue encarar e se libertar dessa sociedade discriminatória. Heath surpreende todo mundo não criando uma atmosfera tão dramática, deixando o personagem muito mais real. Os desejos de viver ao lado desse grande amor e a certeza que esse desejo nunca irá ser realizado é algo presente na sua interpretação. Heath, que já tinha encantado a todos em A Última Ceia (Monsters Ball), cria, sem dúvida alguma, um dos personagens mais bonitos do cinema atual. A sua capacidade de dizer muito ficando apenas calado é uma característica que poucos atores possuem, se tornando valiosíssima em filmes singulares como esse.

Outra abordagem muito discutida pelos espectadores e críticos é a idéia que, enquanto Jack é obviamente gay, Ennis não possui elementos que o classificam como sendo homossexual. Claro que isso depende do seu conceito de homossexualidade. Se o simples contato sexual com pessoas do mesmo sexo é ser gay, tudo bem, mas se for o fato de sentir atração por pessoas do mesmo sexo, Ennis não é homossexual. Enquanto Jack que possui outros relacionamentos, chega até a procurar casas de prostituição, Ennis só possui atração por Jack, e não se envolve com mais ninguém. O amor de Ennis por Jack independe do sexo. Homem ou mulher, o amor existiria.

Ang Lee faz um favor a essa sociedade mendiga, que precisa urgentemente ser feliz, mas faz de tudo para passar a perna em si mesmo. Essa obra prima merece todos os prêmios que conseguir, mas quem sairá ganhando mesmo, seremos nós.

Eu sou um cara que ainda gosta de comédias românticas; mesmo sabendo que raramente vamos escapar do encontro, da trágica separação e do reencontro improvável de último minuto que acaba salvando o final feliz. Quando 500 Dias Com Ela ((500) Days of Summer, 2009) avisa logo de cara que não é um filme convencional de amor, pode até soar pretensioso, mas é verdade. Não existe aqui o casal perfeito e o amor incondicional que supera tudo.

Tom, muito bem interpretado por Joseph Gordon-Levitt (3rd Rock from the Sun), é um cara romântico, que acha que sua felicidade depende de encontrar a mulher certa. Até aí tudo normal. O problema é que ele se apaixona justamente por Summer, interpretada pela musa indie Zooey Deschanel (Fim dos Tempos), uma garota aparentemente insensível e que não acredita no amor. A partir daí o filme poderia passear calmamente por todos os clichês, mas faz justamente o contrário.

Através de uma montagem nada linear, vemos uma história de amor que dura 500 dias e tem realmente início, meio e fim. Assim como na vida real, nem tudo que é bom dura para sempre. Summer sabe disso e aproveita o que quer, quando quer e como quer. Tom é mais inocente, sonhador, acredita nas pessoas, no futuro e acaba se machucando. Mas tudo na vida é um grande aprendizado e as experiências nos fazem crescer. Com Summer, Tom aprende a ver o mundo como ele é. E assim, o futuro parece mais promissor no outono.

Além do ótimo roteiro, o filme acerta em cenas ousadas como um número musical pós-sexo, com direito a passarinho de animação estilo Disney, ao som extremamente feliz de You Make My Dreams, de Hall & Oates. Mas o melhor é mesmo a genial cena que divide a tela entra expectativa e realidade, num dos momentos mais emocionantes do filme.

O toque final fica por conta da excelente trilha sonora, que acerta desde o primeiro minuto com Us, de Regina Spektor, e traz Smiths, Feist, Carla Bruni, Wolfmother (com a excelente Vagabond), Doves, Simon & Garfunkel e ainda uma linda versão de She & Him da música Please, Please, Please, Let Me Get What I Want, dos Smiths.

500 dias com ela é definitivamente um filme para ver e rever. É na segunda vez que percebemos os detalhes que a montagem esconde e que entregam o que está por vir. Como diz a precoce irmã de Tom, é preciso ver e lembrar-se dos momentos bons e dos ruins. As pistas estão sempre aí para quem quer ver.