Desde sua estreia com “Sexo, Mentiras e Videotape”, o cineasta Steven Soderbergh foi sempre considerado o porta voz do cinema independente norte-americano dos anos 90, não apenas pela temática dos seus filmes, mas também pelo estilo de produção. Ele é roteirista, diretor, montador, diretor de fotografia e também cinegrafista. Muitos do atores que trabalharam com ele, o chamam de “one man band”. Resumindo, aquele cara que faz tudo. O seu modo de produção é baseado na objetividade, de encontrar as respostas visuais da forma mais rápida e eficaz possível. Por ser o criador visual do filme e o cinegrafista, as imagens vão sendo elaboradas e decupadas ao mesmo tempo e assim a produção dos seus filmes se tornam extremamente fluidas. Em pouco mais de vinte anos de carreira, o diretor possui em seu currículo uma quantidade de filmes que equivalem a um por ano, além de sempre intercalar produções de estúdio com os seus anseios artísticos, passeando por diversas formas de abordagens narrativas e de temas. O que obviamente leva à sua inconsistência como realizador. A forma quase industrial de filmar, acrescida à necessidade quase pulsante de se afirmar como artista, deixa o cineasta em posição de criar obras brilhantes, como a incursão no mundo do narcotráfico em “Traffic”, e verdadeiros fracassos, como “Full Frontal”. E “Contágio”, o mais novo filme do diretor, felizmente se aproxima dos seus momentos mais áureos.

Utilizando uma estrutura parecida com “Traffic” – filme que lhe agraciou com a estatueta dourada de melhor diretor –, Steven Soderbergh busca dar voz a todos os elementos integrantes de uma crise epidemiológica, deixando claro logo em seu prólogo o alcance mundial dessa crise (mostrando os países através dos habitantes afetados pelo vírus) e a sua rápida proliferação – clara alusão à globalização e à velocidade atual da informação.

Igualmente a “Traffic”, o filme é todo construído através de um mosaico de personagens, cada um representando uma esfera compositiva de uma crise desse porte. Matt Damon é o personagem/espectador, aquele pai de família que, à parte do conhecimento científico, possui apenas preocupações de caráter social, como prover segurança e alimentação para sua família. Não possui características heróicas e nem tenta ter influência direta na resolução dos problemas. É apenas uma pessoa comum. Enquanto intercaladamente vemos as angústias do homem comum, acompanhamos as investigações científicas sendo retratadas não apenas por um único órgão ou uma única pessoa responsável. As responsabilidades vão sendo divididas entre órgãos administrativos, governamentais e científicos, dando o tom de realidade exata para sentirmos o temor inicial. Além de que o filme acerta em dar vida aos personagens, e não apenas transformá-los em propulsores de dados e termos científicos. E em vários momentos, médicos e governantes se propiciam de seu status para proteger ou alertar familiares ou amigos próximos, dando um toque extremamente pessoal e humano. Um outro segmento bastante discutido no filme é a da liberdade de informação. Representado por um jornalista independente – um blogueiro -, o filme faz um retrato da atualidade e das novas mídias e fontes de informação. No caso em questão, o blogueiro interpretado por Jude Law, tenta através de sua “influência”, ou melhor, pageviews, criar ou espalhar (nunca é deixado claro a veracidade da informação) uma teoria da conspiração envolvendo o governo, companhias farmacêuticas e consequentemente milhões de dólares. Na verdade, hoje em dia até o conhecimento de uma epidemia é já discutida e alarmada através de divulgação de vídeos (feitos minutos antes do upload) e nas redes sociais. E mesmo que não se aprofunde no assunto, é bastante interessante como é abordado. A proliferação do vírus é proporcional à do pânico gerado.

O mais interessante do filme é a sua postura jornalística e não apenas a de caráter investigativo, como vemos normalmente. É incorporado à sua estrutura narrativa outros tons jornalísticos, como o emocional e popular, o científico, e obviamente, o alarmante, utilizando uma metalinguagem que recria as sensações de viver perante uma crise desse tipo, com o ritmo imposto em sua narrativa. A sensação de alarmismo e urgência vai diminuindo durante a projeção. O que normalmente seria considerado uma quebra de ritmo ou de interesse por parte do espectador, aqui se torna uma alegoria interessante e muito bem utilizada. Percebemos então que o filme que estava tão angustiante e deseperançoso – em níveis quase apocalípticos – vai abandonando essa sensação de desepero e urgência, para abraçar a normalidade, exatamente como a vida real. Ou não tivemos recentemente esse exagero e necessidade de “apocalipse” na gripe suína?

Steven Soderbergh anunciou nesse ano sua aposentadoria. Diz que a indústria do cinema não lhe interessa mais, e que apenas terminará de fazer os filmes a que se comprometeu. Uma pena que uma cineasta tão entusiasta e interessante abandone as telonas. Pelo menos existem seus filmes.

Lars Von Trier em quase toda a sua filmografia colocou o ser humano em um patamar de dispensabilidade, como se um dia chegássemos ao fim, o planeta não estaria perdendo nada. O lado perverso do ser humano é sempre uma das suas temáticas principais, nos mostrando nossa capacidade infindável de produzir dor e injustiça.

Em Melancolia, ele realiza uma espécie de vingança sobre aqueles tantos personagens descartáveis. Ele não apenas mata todos os habitantes de Dogville, como vimos no filme homônimo, como extingue toda a raça humana que ele julga ser tão fétida. Logo nos primeiros minutos vemos um planeta denominado Melancolia se chocando com o planeta Terra, o transformando em nada mais que poeira cósmica. Utilizando dessa estrutura narrativa – em contar logo o fim inevitável -, Lars Von Trier nos proporciona uma liberdade para apenas acompanharmos as últimas horas daquelas pessoas. E o mais interessante é que, agora, à iminência do fim do mundo, o cineasta dinamarquês não inclui os tais personagens desprezíveis. Somos apresentados a pessoas normais, com angústias e dúvidas, e, por que não, um tanto esperançosas.

Dividido em duas partes, o filme utiliza de uma festa de casamento – no melhor estilo “constrangimento” do filme “Festa de Família” (dirigido por Thomas Vinterberg e marco do movimento Dogma 95) – para apresentar todos os personagens de uma forma orgânica e representativa, e dentre eles a noiva e titular da primeira parte: Justine (Kirsten Dunst). Aqui vemos uma garota que mesmo durante o seu casamento aparenta não pertencer àquele universo. É despejado em nossos colos uma dor e uma depressão, mas que por pura falta de informação, não nos atrevemos a questionar suas origens e motivos. O seu deslocamento se contrasta claramente com sua irmã, Claire. Intitulando a segunda parte, a personagem da atriz/cantora Charlotte Gainsbourg logo transparece o mesmo formalismo e a mesma frieza que ela tenta implementar no casamento de sua irmã. Aparentemente deixando de lado suas próprias dores e angústias para permanecer nesse circuito de aparências.

Utilizando uma estética que se aproxima mais do Anticristo do que dos seus filme anteriores do movimento Dogma 95, Lars Von Trier definitivamente se desprega das amarras impostas pelo movimento escandinavo, utilizando os elementos visuais como engrenagem de sua estrutura narrativa. A fotografia, por exemplo, durante a primeira parte, procura sempre deixar os personagens à mercê da luz, como holofotes, que elegantemente faz referências a ideia da luz do planeta que se aproxima. E logo no segundo capítulo, essa iluminação vai ganhando mais unicidade. Um elemento interessantíssimo é a caracterização do planeta, criado através do tom azul. Lars Von Trier foge do lugar comum não adotando uma caracterização mais óbvia, como a utilização de tons de vermelho, deixando-a assim mais assustadora, em referência a uma bola de fogo ou mesmo ao apocalipse. Nesse caso, a escolha do azul faz jus ao nome do planeta, já que em inglês “blue” pode ser usado como “triste/tristeza/melancólico”. Então, saindo desse lugar comum, tudo se torna mais suave, deixando a sensação que mesmo próximo do fim do mundo, a aproximação dessa bola azul é um fenômeno tão extraordinário, e que sua passagem, mesmo destruidora, também pode dar sentido a nossa jornada.

A proposta era mesmo de encher os olhos e de alimentar grandes expectativas: um filme baseado no grande assalto ao Banco Central que aconteceu em Fortaleza, em 2005. Na ação cerca de 165 milhões de reais foram levados da instituição por meio de um túnel de 84 metros de extensão. Tudo aconteceu sem violência alguma e sem nenhum tipo de alarde e, até hoje, não se sabe muito sobre o ocorrido, muitas pontas ficaram por amarrar. Temos aí bons ingredientes como a premissa que promete emoção e intriga. Afinal, trata-se de um caso real que envolve um roubo de grandes proporções, planos estratégicos e o envolvimento de várias pessoas. Mas ficamos só na vontade…

Um grupo se une, sob o comando do mentor Barão (Millhem Cortaz) a fim de traçar um plano meticuloso que tem como objetivo levar uma grande quantia do banco do título sem que haja confrontamento com o público ou mesmo com os seguranças do local. A ideia é cavar um túnel que leve diretamente ao cofre onde as câmeras e sensores podem ser dribladas por meio da ajuda da pessoa certa.

A narrativa é fragmentada a fim de entrelaçar os momentos que antecedem o roubo, a execução do plano, a investigação do crime e as consequências do assalto para cada indivíduo envolvido. As linhas narrativas são fáceis de acompanhar e não dificultam a compreensão do longa, mas a sensação que ficou dessa proposta não linear foi a de uma tentativa de recorrer a algum método que pudesse dinamizar a narrativa e tornar tudo mais interessante. Mesmo assim, não funciona.

Há muitos personagens em jogo e a verdade é que isso faz com que eles sejam subutilizados, reduzindo-os a estereótipos. Além disso, a história não consegue se manter homogênea e muitas sugestões de enredos paralelos se perdem no contexto. A necessidade de pincelar muitas possibilidades dificulta o aprofundamento tanto dos personagens como das situações e muito fica fora do contexto. Por exemplo [Spoiler!], a policial envolvida no caso (Giulia Gam) é homossexual, mas essa informação é revelada sem realmente acrescentar à trama. Sim, esse é mais um aspecto que mostra como seu companheiro de trabalho (Lima Duarte) está fora desse mundo, mas no entanto, não vai além dessa informação. O espectador nem mesmo conhece melhor a realidade da policial – a não ser que ela trabalha muito e não tem tempo para a companheira. Além dessas questões, o som do filme constitui um capítulo à parte com dublagens aparentes – não pela sincronia, mas sim pela “limpeza” irreal – e um tanto incômodas.

O filme deve interessar principalmente por abordar um caso real que continua impressionando e intrigando até hoje, mas não passa disso. Assalto ao Banco Central poderia ter alçado um grande voo, mas ficou só no ensaio.

Assalto ao Banco Central (idem/ 2011/ 104min.)
Dir. Marcos Paulo.
Roteiro: Renê Belmonte
Elenco: Milhem Cortaz, Hermila Guedes, Giulia Gam, Lima Duarte, Eriberto Leão, Tonico Pereira.

Michael Bay possui uma capacidade infindável de criar filmes idiotas, e sinceramente acho que o diretor atingiu o seu ápice de destruição sem sentido, diálogos criados por crianças de cinco anos de idade, e planos esquizofrênicos que não duram 3 segundos. Em “Transformers – O Lado Oculto da Lua” o filme abusa de clichês e motivações sentimentalóides, personagens rasos (incluindo aqueles que são consideradas de uma raça superior) e argumentos dos mais estúpidos. Nada de novo! Na verdade, os planos aumentaram de 3 para 5 segundos, por causa da tecnologia 3D que necessita de um tempo de tela. Mas tirando isso, essa figura e queridinho dos estúdios continua o mesmo, e continua evidente a sua incapacidade de dirigir uma cena por completo, já que ele apenas a constrói na sala de edição, buscando a velocidade dos cortes como forma de esconder sua falta de habilidade por trás das câmeras. E isso é visto em Bad Boys I e II, Armageddon, Pearl Harbor, A Ilha, e na franquia Transformers.

Dessa vez, apostando na tecnologia em 3D, a sua megalomania atingiu níveis extraordinários. O filme inicia com a guerra travada entre os Autobots e os Decepticons em Cybertron, e não tenha dúvida que o 3D nos leva a um universo diferenciado. Apostando muito mais na profundidade do que “coisas que são jogadas na sua cara”, o 3D do filme é bastante satisfatório, mas cansa logo que a sensação de novidade se acaba. E mesmo essa batalha em Cybertron, nada mais é que um grande vídeo game, como se estivéssemos em um parque de diversão.

O filme apela para conspirações internacionais, utilizando a história recente como participante dessas conspirações, e que de secreta não tem nada, já que todo mundo sabe e comenta sobre. Além de que o diretor sempre encontra espaço para demonstrar seu americanismo exacerbado, nos lembrando sucessivamente que os Autobots estão do lado do EUA contra seus inimigos – incluindo até uma cena dos carros entrando em uma base árabe – o que não faz o mínimo de sentido visto que o Optimus Prime – líder do Autobots – continuamente declara – em forma de livro de auto-ajuda – o seu apoio à raça humana e aos habitantes do planeta Terra.

A única coisa que funcionava no primeiro filme era o carisma e o “time” cômico do seu protagonista vivido pelo Shia LaBeouf, algo que não volta acontecer. A repetição das suas gags visuais cansa, e o seu senso de humor (e de todo o filme) é completamente boicotado pelo roteiro, visto que o mesmo nos trata como idiotas lambuzados por pipoca e refrigerante (e o que não deixa de ter um fundo de verdade).

O maior problema de “Transformers – O Lado Oculto da Lua” é a certeza que este irá render centenas de milhões de dólares aos seus realizadores, e conseqüentemente o diretor Michael Bay continuará sendo responsável por inúmeras outras idiotices exibidas nos cinemas.

Jim Carrey não aparecia com nada novo no cinema desde 2009, ano em que estrelou dois filmes bem diferentes, O golpista do ano (I Love You Phillip Morris) e a animação Os fantasmas de Scrooge (A Christmas Carol). Pois bem, dois anos depois era de se esperar que ele voltasse com tudo! É, não foi dessa vez.

Ok, preciso ser sincera desde o começo, detesto filmes com animais. Se não for uma animação, não conte comigo para contribuir com aquela simpatia inicial que antecede sessões desse tipo. Ah! Especialmente quando animais falantes estão em jogo – felizmente não é esse o caso. Apesar de não gostar do estilo, não sou injusta. Fui de coração aberto, mas Os Pinguins do papai realmente deve agradar apenas às crianças – bem pequenas.

Baseado em um livro de 1938, mas com direito a adaptações para transpor a história dos anos 30 aos anos 2000 e de uma pequena vila para Nova Iorque, o papai do título é Jim Carrey, um corretor bem sucedido que enfrenta um desafio importante na carreira: precisa conseguir uma compra grande para se tornar sócio da empresa em que trabalha. Ele é separado e tem dois filhos. Participa da vida da família, mas de maneira não muito ativa. A situação ganha outro tom quando ele recebe seis pinguins como herança. Seus filhos adoram a novidade e o senhor Popper passa a ser visto com outros olhos. Claro que essa nova aquisição vai mudar tanto a vida profissional como a vida pessoal do corretor. E essas mudanças vão fazer com que ele enxergue a vida com outros olhos.

O problema é que o longa abusa de clichês para contar essa história. Além disso, há várias cenas sentimentais um tanto forçadas que pretendem provocar aquele momento dramático cheio de significado. Prepare-se para ver muitas piadas baseadas em fezes e gazes dos animais, alguns tombos e boladas, pinguins sentimentais que sonham em voar e tudo o mais. O filme consegue render alguns momentos cômicos, mas que não são suficientes para superar o todo. No geral Os pinguins do papai acaba sendo um corte colagem de obviedades costurado de maneira bem inocente. Realmente para os pequenos – e apenas eles.

Apesar de tudo Jim Carrey está de volta à comédia, território no qual se consagrou com seu carisma e suas caras e bocas. O ator afirmou que continua sendo ele mesmo, “meio louco, engraçado e nervoso” e é verdade. Aqueles que amam o comediante vão ficar felizes em vê-lo de volta à ativa e, sim, ele é capaz de provocar algumas risadas. Mas é uma pena que o contexto não tenha muito mais a oferecer.

Mark Waters também dirigiu o ótimo Meninas Malvadas. Então talvez seja melhor alugar esse DVD do que conferir o lançamento.

Os Pinguins do papai (Mr. Popper’s penguins/ 2011/ 94 min.)
Dir. Mark Waters
Roteiro: Sean Anders e John Morris
Elenco: Jim Carrey, Carla Gugino, Angela Lansbury, Ophelia Lovibond, Madeline Carroll, Maxwell Perry Cotton