Das ruas, prisões, favelas ou do sertão, o pobre brasileiro parece uma fonte inesgotável de ficções e realidades documentadas à quase exaustão no cinema nacional. Em oposição, as classes mais altas passam quase sempre marginais, ignoradas como um fruto proibido sem aparente razão. Daí a estranheza que sentimos ao assistir ao documentário Um Lugar ao Sol, do pernambucano Gabriel Mascaro, que busca justamente desvendar o imaginário da classe rica ao perceber a escassez de material sobre o assunto.

Através de um curioso livro que mapeia a elite e pessoas influentes da sociedade brasileira, o cineasta decidiu documentar o pensamento de um público muito específico: donos de coberturas. Dos 125 proprietários listados no livro, apenas 9, de Recife, São Paulo e Rio de Janeiro, aceitaram conceder entrevista e tornaram-se então personagens da nem sempre sutil crítica social construída pelo jovem diretor.

Outro objetivo do longa, declarado explicitamente por Mascaro, é o de criticar a verticalização das paisagens urbanas, mas, embora alguns depoimentos tratem do assunto, como os arquitetos que afirmam que o edifício “socializa a vista”, não chegam a acrescentar nada de novo ou realmente útil a essa polêmica questão. As belas sequências de fundação e construção de um edifício, assim como a visão distante da cidade e das pessoas, registradas com originalidade pelas mãos de Marcelo Pedroso, com quem Mascaro co-dirigiu KFZ-1348, seu primeiro longa-metragem, funcionam mais para nos inserir no ambiente dos personagens do que como análise da arquitetura urbana.

Excluindo-se então o mote principal do filme, percebemos que é de status, riqueza, delírios de poder e alienação que ele realmente trata. Com a ilusão de estarem fazendo parte de um documentário que exalta o estilo de vida nas alturas, os entrevistados, que preferiram aparecer anônimos, tagarelam sem pudores, entregando-se inúmeras vezes a afirmações e divagações verdadeiramente ridículas.

A sorridente família do Rio de Janeiro, com um filho adulto tratado como adolescente, se deleita com tiroteios que parecem “fogos de artifício” e escreve “cobertura” no endereço quando quer parecer importante. A senhora, que tem uma estátua assustadora do seu falecido cão Bush e um filho abobalhado, diz que Deus a ouve melhor porque está mais perto Dele, no alto. O proprietário de casa noturna de São Paulo exalta seu estilo de vida exclusivo e diz “frequentar” os melhores hotéis, os melhores relógios, as mulheres bonitas, as grandes emoções e a grande literatura, mas não consegue acertar o nome do livro que está lendo. Entre outras atrocidades que fala, diz que no avião há “primeira classe, classe executiva e senzala” e afirma sentir-se triste quando vê um pobre que não possui um Jaguar.

Em meio a depoimentos desse nível, entrevistados que aparecem poucos minutos no filme e afirmam gostar de silêncio e privacidade, de não ouvir o barulho da cozinha e até de fazer trabalho voluntário para compensar sua “vida perfeita”, são facilmente considerados farinha do mesmo saco e soam ridículos ao espectador antes mesmo de abrirem a boca. É certo que alguns parecem mesmo ridículos, mas ao analisar cada um individualmente percebemos que existem visões muito diferentes do que significa fazer parte dessa classe social. Mascaro, no entanto, parece querer nos convencer do contrário e o faz muito bem. Quando escolhe priorizar em tela os mais deslumbrados com seu status, transforma quase todos em uma massa homogênea e são fáceis as risadas arrancadas do público. A única entrevistada que tem o poder de nos encantar é a imigrante francesa, que ama a cultura popular brasileira e nada fala sobre dinheiro ou mesmo sobre morar numa cobertura. É justamente por não traçar um perfil mais cuidadoso de cada um que o filme perde força enquanto representação da classe alta. Mesmo que fosse relevante a análise de apenas nove personagens, alguns simplesmente não parecem corretamente retratados e sim moldados para encaixar-se no perfil pretendido pelo cineasta.

No entanto, Um Lugar ao Sol é um filme inovador, corajoso e importante para a nossa cena documental. Se falha em trazer à luz o pensamento da elite brasileira, ao menos abre uma fresta, expõe verdades incômodas e traz possibilidades, que estão longe de esgotar-se. Talvez Mascaro não retome este caminho tão cedo — seu terceiro longa-metragem, Avenida Brasília Formosa, centra-se na classe baixa —, mas o primeiro passo foi dado e, mesmo olhando do chão para o topo dos arranha-céus, o povo brasileiro está um pouco mais perto de entender a mente das pessoas influentes de uma sociedade que soa cada vez mais decadente.


*Texto apresentado na disciplina Análise Estrutural de Textos Jornalísticos de Crítica Cultural, com a Profa. Dra. Isaltina Gomes, no curso de Pós-Graduação em Jornalismo e Crítica Cultural.

O clipe de Massive Attack, para a música Paradise Circus, é um minidocumentário com a ex-atriz pornô Georgina Spelvin, agora já bem velhinha. Ela fala de suas experiências sexuais e o diretor Toby Dye intercala esses depoimentos com cenas do clássico pornográfico O Diabo na Carne de Miss Jones (The Devil is Miss Jones, 1973) ao som, claro, de Massiv Attack. A faixa conta ainda com Hope Sandoval, da banda Mazzy Star, nos vocais.

O resultado é completamente inusitado para um videoclipe, mas é realmente muito interessante e evidencia toda a sensualidade de Paradise Circus. O vídeo é tão bom, que apesar da música ser muito boa, às vezes fica totalmente em segundo plano.

Atenção: o clipe abaixo tem cenas de sexo explícito. Se você se ofende com este tipo de material, não assista.

Dica de @teo1up.

No dia 24 de julho, pegue uma câmera e documente tudo que acontece no seu dia. Se for interessante, você pode acabar parte do documentário A Vida em um Dia (Life in a Day), produzido e idealizado por Ridley Scott e dirigido por Kevin McDonald. O projeto é uma experimento e vai unir imagens de pessoas de todo o mundo, mostrando diferentes vidas no mesmo dia. Será o primeiro longa-metragem do mundo feito com imagens capturadas pelos usuários.

O filme será apresentado no festival de Sundance Film Festival, em janeiro de 2011 e posteriormente estará disponível no YouTube. Se suas imagens chegarem à edição final do filme, você será creditado como codiretor e poderá ser um dos 20 levados ao festival para conferir a estreia.

MAIS
www.youtube.com/lifeinaday


Via desCINEMA.

Dia 5 – 30/04/10

Se Meu Pai Fosse de Pedra (Digital, Documentário, Direção: Maria Camargo, 19’, RJ): “As coisas que amamos. As pessoas que amamos. São eternas até certo ponto”. São com esses versos de Carlos Drummond de Andrade que o filme se inicia. Numa homenagem a seu pai falecido, o artista plástico Sérgio Camargo, a diretora cria um documentário dos mais belos vistos recentemente, sabendo podar exatamente a intensidade da sua pessoalidade com o projeto, não exagerando nos elogios e se concentrando no ser humano: pai/artista. Utilizando maravilhosamente bem uma multidisciplinaridade narrativa, fazendo com que a história seja contada por vários caminhos diferentes: pelas imagens de arquivo, pelos pensamentos de Sergio, pelos netos que não conheceram o avô, pela sua obra, pela sua filha (que tenta também se descobrir durante o projeto) e claro, pela pedra que está morrendo e precisa ser restaurada. Sem dúvida, o melhor filme digital de todo o festival. 5/5

O Plano do Cachorro (Digital, Ficção, Direção: Arthur Lins e Ely Marques, 10’, PB): Quando o filme chegou ao final, me deparei olhando para o meu bloco de anotações e não encontrei nada. Apenas o nome do filme e dos diretores. Não consegui escrever nada de interessante sobre o filme. Nem algo ruim. Vai ver o filme queria exatamente isso, ser uma incógnita, mas infelizmente, comigo, esse papo furado de cineasta experimental não funciona. 1/5

Zé(s) (35 mm, Documentário, Direção: Piu Gomes , 15′, RJ): Zé Celso é com certeza uma das pessoas mais importantes do teatro nacional. Polêmico, vanguardista e uma figura extremamente carismática. Zé Perdiz é um mecânico, bastante politizado durante a ditadura e que à noite transforma sua oficina no Teatro Oficina de Perdiz. A relação dos dois é vista antes mesmo dos dois se encontrarem, deixavam transparecer nos seus depoimentos essa correlação de personalidades. O filme não é tão coeso (acho que porque tentou se baseiar na própria estrutura de teatro do Zé Celso) e isso atrapalhou um pouco. Mas com certeza gostaria de ver um longa dessa união e que demonstrasse com mais intensidade essa comunhão dos dois Zés. 4/5

Amigos Bizarros do Ricardinho (35 mm, Ficção, Direção: Augusto Canani, 21’, RS): O cinema do Rio Grande do Sul é sempre algo para ficarmos de olho. É diferente e foge do lugar comum. Lembrando de imediato o cinema argentino, (créditos para Espiga) na composição dos seus personagens e na sua ironia e o cinema de Wes Anderson (créditos a Bernardo) no seu sarcasmo e personagens estranhos, o filme nos apresenta uma história original com um humor interessantíssimo, muitas vezes exagerado, mas que não compromete e sim elabora a história. O Ricardinho em questão é tão único em como se comporta e reage àquelas histórias que seria quase impossível não ser o próprio que interpretasse o personagem principal. E para minha alegria, o filme era baseado nas histórias de Ricardo Lilja e interpretado pelo mesmo. 4/5

Quando a Chuva Chegar (35 mm, Ficção, Direção: Jorane Castro , 15′, PA): Outro exemplo de ao término do filme checar meu bloco de notas e a única coisa que encontrei foi a palavra Bizarro. Minto! Bizarro². E não de uma forma elogiosa. Contando uma história de um apartamento aparentemente “mágico” que fazem as pessoas sentirem uma vontade tremenda de fazerem sexo, o filme se arrasta até darmos graças a Deus de ter chegado ao seu fim. 1/5

Não Se Pode Viver Sem Amor (35mm, Ficção, Direção: Jorge Durán, 103’, RJ): Nós espectadores temos um certo preconceito a filmes brasileiros estranhos. Isso é fato. Ponderamos obras estrangeiras que tentam criar histórias complexas e em algumas vezes, buscamos intensamente respostas para elas. Cidade dos Sonhos, Donnie Darko, A Passagem, Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças, Quero ser John Malkovich, Adaptação (longe de mim querer compará-lo aos filmes em questão), são exemplos de filmes com estruturas únicas e de uma complexidade extrema. No caso dos filmes brasileiros não temos essa paciência (nem para analisarmos se o filme é bom ou não) e o taxamos imediatamente de “viajado”, “doido”, “típico filme brasileiro de festival”… E sendo sincero, eu gostei da estranheza do filme “Não se Pode viver Sem Amor”. Utilizando uma estrutura ao estilo Alejandro González Iñárritu (Amores Perros, Babel), com histórias paralelas, mas que se conectam de uma forma ou de outra, o filme possui alguns defeitos no texto, influenciando nos seus diálogos e consequentemente nas suas atuações, mas, no final das contas, conseguiu segurar a plateia até o final, penso eu, interessada por aquele estranhamento. 4/5

Rick não pôde ir novamente ao CinePe nesta quinta, mas desta vez eu consegui marcar presença. Vamos aos filmes:


Dia 29.04.10 – Dia 4

Do Morro? (Digital, Documentário, Direção: Mykaela Plotkin e Rafael Montenegro, 20’, PE): Enquanto filme, Do Morro? não comete erros. Montagem, fotografia, roteiro, direção, tudo estava muito bem amarrado e tornou o filme bastante agradável e mesmo interessante. Por outro lado, ver uma pseudo-elite intelectual pernambucana exaltando João do Morro como um cronista social, rótulo este que ele assume com orgulho, é de dar pena. Apenas o músico China parece ter um pouco de bom senso, debochando do rótulo e afirmando que João do Morro é apenas uma pessoa divertida e que tira bom proveito disso. O filme até tenta parecer imparcial e mostrar o outro lado, mas não faz isso com muito sucesso. No geral, soa mais como propaganda que como discussão. Talvez esta tenha sido a intenção, afinal, como disse um verdadeiro morador do morro, João é de Boa Viagem. Do Morro é sua logomarca. 3/5

Ensaio de Cinema (Digital, Ficção, Direção: Allan Ribeiro, 15’, RJ): Dividido em três atos irregulares, este curta baseado num espetáculo de dança parece errado desde o princípio. Retratando cenas cotidianas sem nenhuma relevância, a primeira emoção que consegue causar é a de alívio e frustração quando a tela fica escura pela primeira vez. Para piorar, no meio deste ato o áudio sumiu e o filme teve que recomeçar. Num segundo ato, nos deparamos com uma performance de dança contemporânea, narrada como um ensaio de cinema cheio de referências à grandes filmes europeus e o filme parece achar um propósito. Se este ato não apaga totalmente a frustração do primeiro, pelo menos a enfraquece. Mas ao invés de terminar por cima, o diretor comete o erro de introduzir um terceiro e último ato com mais cenas de conversa fiada, dessa vez sobre o cinema brasileiro, cuja exaltação soa como obrigação. 2/5

A Montanha Mágica (35 mm, Documentário, Direção: Petrus Cariry, 13′, CE): Ao tentar fazer um filme sobre infância e antigos parquinhos de diversão com a intenção declarada de gerar nostalgia, a única coisa que o diretor consegue é nos encher de tédio. A narração constante não diz absolutamente nada e os efeitos sonoros, se tinham algum propósito, era o de irritar as pessoas. A fotografia também foi outro erro. Nas cenas noturnas era extremamente escura, causando a impressão de que faltou técnica ou verba para realizar o filme como deveria. Na sequência final, de dia, era sem contraste e com cores desbalanceadas, aparentemente para remeter a fotos envelhecidas, o que até funcionou em algumas das longas imagens estáticas, mas não no geral. Com certeza foi o grande fiasco da noite. 1/5

Circuito Interno (35 mm, Ficção, Direção: Júlio Martí, 15′, SP): Falado em português e espanhol, com legenda também bilingue, este curta tem como único objetivo denunciar a exploração de mão de obra boliviana por empresários brasileiros, mas nem isso faz bem. São 15 minutos de colagens de cenas aparentemente inúteis e sem conclusão de qualquer tipo. Algumas dessas cenas são mostradas através das câmeras do circuito interno de uma confecção, com a tela dividida em quatro, onde também não acontece absolutamente nada. A mensagem do filme só chega mesmo ao público com um texto explicativo que antecede os créditos de encerramento. 2/5

Faço de Mim o Que Quero (35 mm, Documentário, Direção: Sérgio Oliveira e Petrônio Lorena, 18′, PE): Com 3 roteiristas assinando este curta, a impressão que temos é a de que não houve consenso e decidiram não utilizar roteiro algum. É apenas uma sequência ilógica de cenas do meio brega recifense, mostrando carroceiros de cd pirata, rádios, programas de auditório, shows de Kelvis Duran, de João do Morro e do Conde. Focando quase sempre em figuras caricatas que facilmente se tornariam hits do YouTube, o filme os ridiculariza causando gargalhadas de um público que após bater palmas acha que está valorizando e respeitando o brega. Ao apresentar o filme no palco, os produtores pediram para assistirmos sem preconceitos. Ironicamente, o preconceito se mostra presente a cada segundo do curta. Uma excelente surpresa, no entanto, foram os incríveis créditos finais. Realmente uma sequência de tirar o chapéu. 3/5

Azul (35 mm, Ficção, Direção: Eric Laurence, 19′, PE): Inspirado no conto “Uma doce maneira de ir morrendo”, de Luzilá Gonçalves, Azul é uma história de solidão e das fantasias que criamos para suportá-la. Através do cotidiano de uma velhinha analfabeta que procura diariamente uma vizinha para ler a carta do filho ausente, somos submetidos a um espetáculo sensorial belíssimo, de um refinamento e sensibilidade ímpar. A direção de arte e a fotografia dão shows à parte, utilizando com maestria luzes, objetos e detalhes de todo tipo em diferentes tons de azul. 5/5

As Melhores Coisas do Mundo (35 mm, Ficção, Direção: Lais Bodanzky,100’, SP): Se Malhação não tivesse que durar um ano inteiro e pudesse abordar naturalmente temas como pais homossexuais, estudantes maconheiros, prostitutas e suicídio, talvez fosse exatamente igual ao novo longa de Bodanzky. Comparações à parte, é um filme bem construído, divertido e com bons personagens, principalmente no núcleo adolescente. Apesar da juventude retratada lidar com problemas ligeiramente diferentes dos de anos atrás, como a superexposição da internet, por exemplo, há muitos momentos que nos trazem boas lembranças dos tempos idos de escola. No fim das contas, é um filme sobre a adolescência e para adolescentes. Cumpre perfeitamente o que se propõe. 4/5