Se você gosta de histórias de terror como eu, há de concordar que há um personagem que bota muito mais medo do que zumbis, lobisomens e até mesmo os temíveis palhaços do mal – as criancinhas sinistras. É um tiro certo no roteiro de qualquer filme. Desde a indefesa garotinha de Poltergeist até a inescrupulosa russa de A Órfã – passando, obviamente, por Macaulay Culkin, em Anjo Mau, e a insuperável Linda Blair em O Exorcista – as criancinhas malvadas já colocaram medo em muito marmanjo, especialmente por essa relação entre a ingenuidade e a perversidade sem limites.

Mas o tema não está restrito às telonas. Adicionando referências da estética pop com uma influência forte do discurso fantástico, o norte-americano Mark Ryden figura como um dos maiores representantes do surrealismo contemporâneo, retratando crianças macabras em seus quadros e ilustrações, com um traço cartoonizado.

Fetos, caveiras, bestas, carne e, obviamente, sangue, são elementos recorrentes em suas criações, quase sempre acompanhadas de suas delicadas garotas de olhos grandes e semblante apático. O resultado estético impressiona tanto pela beleza e harmonia da composição das imagens quanto pela justaposição de temas tão afastados pela moralidade.

Além do horror, Ryden também satiriza temas polêmicos em seus quadros e ilustrações, criticando a sociedade de consumo, a política e a religiosidade. As imagens possuem uma atmosfera etérea, fantasmagórica e fantasiosa, como uma representação dos medos e sonhos que temos na infância. Elementos lógicos, como proporções, gravidade e objetos inanimados, são postos em xeque, numa representação fácil de consumir do discurso do absurdo.

A proximidade dos temas abordados com a estética de massa e a popularidade do seu trabalho nos anos 90 somaram para que Ryden fosse considerado um expoente do chamado “Surrealismo Pop”, contribuindo para aumentar ainda mais a tensão entre a Arte Erudita e a Indústria Cultural. Em um âmbito mais pessoal, entretanto, pode-se dizer que para o próprio artista essa discussão não é lá um grande problema, uma vez que ele não faz a mínima questão de se manter preso às amarras inflexíveis da arte tradicional; além de ter seus trabalhos exibidos em galerias renomadas ao redor do mundo, Ryden também empresta seu talento para a cultura pop, sendo responsável por exemplo, pela ilustração do memorável álbum Dangerous, de Michal Jackson, e pela capa do livro Desperation, de Stephen King.

Para mais informações sobre o artista e sua obra, não precisa se deslocar para uma biblioteca nem apelar para a Wikipedia. Está tudo disponível democraticamente em seu site, que também tem os links para seus perfis nas redes sociais – mais pop, impossível.

Eu sei que estou quieto por aqui já há algum tempo, mas não poderia deixar de postar sobre a exposição que agora está em Brasília, cidade em que resido. “Hélio Oiticica – Museu é o Mundo”, após ter passado por Rio, São Paulo e ainda terá Belém como cidade a receber as obras deste comentado artista plástico, traz esculturas, quadros, vídeos e muitos deles interativos. Uma ação recorrente de suas obras é justamente o contato direto dos visitantes com seus trabalhos. Pode-se vestir Oiticica, tocar Oiticica, pisar em Oiticica. Ele acreditava que as pessoas fazem parte da arte se quiserem. Suas intenções e movimentos podem ser vistas por um viés de arte. Esse olhar da arte contemporânea em que traz as linguagens do teatro, dança e moda conectados ao fato da temporalidade da obra (a arte existe naquele momento em que é executada) se aproxima do que são mais comumente chamados de instalações e happenings. Pelo que li e ouvi na exposição, o título é justamente por isso. As obras estão caminhando por aí. Personagens de um grande museu, que acreditava Oiticica ser o mundo.

“A obra nasce de apenas um toque na matéria. Quero que a matéria de que é feita minha obra permaneça tal como é; o que a transforma em expressão é nada mais que um sopro: um sopro interior, de plenitude cósmica. Fora disso não há obra. Basta um toque, nada mais” (Hélio Oiticica)

Das obras que mais gostei com certeza são os móbiles suspensos no teto do museu em vários pontos. Imagens geométricas traduzindo a época em que se comprometeu com a arte neoconcreta.

Não tendo me agradado tanto quanto as esculturas menores, há uma estrutura imensa com chão de areia e brita que contém uma gaiola com alguns papagaios (que piam muuuuito alto). Claramente, um convite ao espectador para um mundo criando as sensações. Dentro de lá há uma tenda de camping escura, um chão de cascalho, outro coberto com folhas. É entrar, experimentar e sentir da sua forma. Tudo o que Oiticica queria.

Para Brasília foi feita a montagem da obra “Invenção da luz”, pensada especificamente para a capital federal. Como nunca havia tido uma exposição do artista por aqui, é a primeira vez em que a obra chega à cidade após 30 anos de sua concepção.

Em outubro de 2009 um galpão onde estavam guardadas muitas da Obras de Oiticica pegou fogo. No momento achava-se que não teria como recuperar, mas o Ministério da Cultura tem se empenhado em restaurar estas obras e há um programa do Minc de divulgação dos trabalhos de Hélio para este ano de 2011.

Não gosto, nem desgosto de Oiticica. Mas ele é um artista que me intriga e isso eu amo!

A exposição está por aqui até o dia 20 de fevereiro, das 09h às 18h. No Museu da República. O “museu da bola”.

Esta semana li, em alguma matéria na internet, um caso que já tinha ouvido falar, achado um absurdo e até então não havia procurado mais detalhes. O fato é que em 2007 um artista plástico costarriquenho chamado Guillermo Habacuc Vargas prendeu um cachorro em uma galeria de arte em Manágua, na Nicarágua. O cachorro permaneceu sem comida até chegar a óbito por inanição em frente aos frequentadores da galeria. Na parede estava escrito com ração canina: “És o que lê”. Não sou do tipo moralista, da sociedade protetora dos animais ou do tipo que ama o verde, e por isso parei para pensar sobre o assunto e tentar ver da forma mais calculista possível se eu conseguia perceber um impulso artístico nesse trabalho. A verdade é que não. O que consigo enxergar é um pensamento muito parco, quiçá ignorante de um sujeito completamente imbricado com premissas tão comuns no mercado de arte atualmente, tal como: ideias supostamente novas, necessidade do espetáculo como auto promoção e falta de qualquer técnica artística.

A arte no último século passou por um processo de desconstrução absurdo sempre visando a experimentação e novos caminhos, como instalações, vídeo-arte, automutilação e experimentos científicos. Os limites e as críticas considerados a uma obra são encaradas hoje em dia como reacionários ou conservadores.

Marcel Duchamp em 1917 apresentou um urinol como obra de arte. A obra chamava-se A Fonte. Nunca alguém havia produzido arte, sendo esta um objeto pronto. O que importava era a ideia em torno do objeto. Com isso Duchamp inaugura o termo e tendência na arte chamado ready-made, na qual não é mais necessária a manufatura do objeto pelo artista.

Andy Warhol passa a fazer na década de 1960 arte contendo bens de consumo e elementos da massa, como latas de sopa Campbell e embalagens de sabão em pó Brillo. Ele também produz retratos de figuras conhecidas como Elvis Presley, Marilyn Monroe e John Lennon. Tudo isso com cores saturadas, traços simples, muito parecido com a estética utilizada pela publicidade. O apelo comercial, seus temas e personagens fazem de Warhol uma celebridade dentro e fora do mercado de arte. Eu gosto do trabalho de Warhol, mas sua celebrização criou consequências futuras para o mercado.

Esta total mudança nos parâmetros da produção de arte, fez com que o padrão anterior fosse constantemente negado. O que interessava agora não mais era a obra de arte, mas sim o artista e suas idéias mirabolantes. O crítico não passava de um jornalista a documentar a exposição e não há mais o comentário ornado com análises. Muitos ainda veem o crítico dessa forma atualmente. Nesse sistema onde a arte se traduz pelas ideias e onde a pluralidade é vista em todos os âmbitos, não se pode mais criticar, já que dessa forma está criticando a ideia, e a ideia não é passível de julgamento na pós-modernidade. Estaria sendo limitado e conservador.

Em 2007 Ferreira Gullar foi solicitado a analisar a obra de duas artistas brasileiras, Laura Vinci e Débora Bolsoni. A primeira havia montado uma mesa de mármore em uma galeria onde foram colocadas 7 mil maçãs sobre esta e no chão. A segunda construiu um quebra-molas de paçoca. Eu vou transcrever as palavras de Gullar:

“Essa produção vai morrer aí e nem tem mesmo como sobreviver.(…) Não vai sobrar nada dessa produção contemporânea. Trata-se da arte da boa idéia, da Caninha 51. Este tipo de trabalho não tem artesanato, não tem técnica, não tem linguagem. Já se usou de tudo: balde, bacia, ovo frito. É uma falta de imaginação, uma grande bobagem que não me interessa.(…) Uma mancha no chão, uma água escorrendo, tudo isso é expressão, mas não é arte. Se alguém pisa no meu pé e eu grito de dor, isso é uma expressão, mas não é arte.”

Depois desse comentário, Luciano Trigo, jornalista e crítico de arte, escreveu uma matéria para a Folha de São Paulo explicando alguns dos motivos da arte produzida atualmente, dando exemplos da desconstrução e fazendo comparações das obras a atitudes como a de Duchamp. Seguiram-se réplicas e tréplicas entre as artistas e o crítico. Elas deram suas explicações e do porque escolheram tais elementos e suas subjetivações para composição dos trabalhos. Mas ainda assim discordo das artistas, a arte não deve ser feita de ideias maravilhosas explicadas. Deve transpor o que somos. Dessa forma cria-se linguagem, unidade e solidez.

Há vários outros nomes a se comentar sobre a arte da ideia. Chris Burden, nos anos 70 fez uma performance que consistia num assistente atirar em seu braço. Stelarc, artista envolvido com tecnologias robóticas e com o futurismo, convocou uma coletiva de imprensa para anunciar sua mais nova obra, um implante de orelha no braço esquerdo. Vito Acconci, na obra Canteiro, construiu uma rampa no espaço de toda a galeria e o trabalho era ele ficar se masturbando debaixo da rampa. Ou até Christo Javacheff, famoso por embrulhar grandes construções e ilhas.

É nesse ponto em que quero chegar. Todos temos nossos direitos a expressão. Mas cabe a galeristas, merchands, críticos e público saberem selecionar o que é arte ou não.

Eu não quero ir em uma galeria de arte para ver um cachorro, um gato, um homem ou uma planta morrer por falta de alimento. Esta é minha opinião e o que pretendo é o debate. Aos que concordam e discordam, vamos pensar, analisar e trocar.

Até a próxima!

A dupla de artistas Supakitch e Koralie criou um mural para o museu Världskultur Museet Göteborg, na Suécia, com apoio das mágicas canetinhas Posca. As cores, os traços, a luz e os recortes, tudo é simplesmente fantástico, lindo mesmo. Ver o domínio da mão dele enquanto traça círculos e caligrafia é de fazer chorar.

A beleza e o acabamento da arte feita à mão livre, com tinta e impulsividade supera qualquer impressão digital e Photoshop. A sensação de estar neste ambiente deve ser única e, ao menos, o vídeo transmite bem parte dessa emoção.

Em fevereiro deste ano tive a oportunidade de ver o trabalho de um jovem artista brasileiro de 33 anos muitíssimo ovacionado atualmente e que recentemente, descobri que estaria presente no festival “No Ar Coquetel Molotov”. Fiquei muito feliz pela iniciativa do coletivo Coquetel em trazer um artista plástico para participar de um festival de música, mas principalmente por ser Stephan Doitschinoff, também conhecido como Calma.

Todos que ouvem esse nome e não o conhecem, logo pensam ser um artista europeu e não fazem idéia da brasilidade imbricada em seu trabalho. Sempre carregado de significações sobre religiosidade, folclore, africanismo e suas máscaras, morte e tempo, Calma traduz sua visão desses temas em linguagem única repleta de referências street, pichação, lowbrow e muito marcada por grafismos. Não há a abstração direta, mas sim um conjunto de representações figurativas compondo um quadro do impossível, mágico e místico.

Em seus trabalhos podem-se notar influências de festas folclóricas como o Reisado e o São João, estórias populares e também acredito eu, um pouco da estética religiosa mexicana em suas caveiras.

Stephan é filho de pastor evangélico, neto de espíritas, teve contato com centro Hare Krishna e de umbanda, tudo isto dentro de um país considerado predominantemente católico, o Brasil. O conhecimento por diferentes doutrinas religiosas e pela filosofia sempre foi de seu interesse (e não havia como negar, vale-se dizer!).

Nos anos 90 trabalhou em São Paulo fazendo posters de shows e camisas para bandas de hardcore além de ser assistente do cenógrafo Zé Carratú, conhecido pelos cenários de shows de rock da cidade. Dois anos se passam e Stephan vai trabalhar numa agência de publicidade onde chega a ser promovido, mas pediu demissão pouco tempo depois afirmando que no momento: “não sabia o que queria, mas sabia o que não queria”. Doitschinoff não queria focar seu trabalho estritamente pensando em produtos para clientes, mas conseguir trabalhar e sobreviver através de sua expressão artística. Seus trabalhos como “ilustrador de mercado” e como artista são bem diferentes segundo ele (não consegui localizar nenhum do tempo de ilustrador).

Em 2006, Calma teve sua iniciativa mais célebre. Teve a idéia de pintar uma cidade inteira. Sua irmã morava no interior da Bahia na ocasião a e cidade escolhida foi Lençóis. Começou pintando o exterior de algumas casas e pouco tempo depois a força e a beleza de seu trabalho se encarregou de alastrar a vontade nos moradores para ter suas residências pintadas. Acredito ser nessa bateria de trabalhos a grande significação de seu trabalho como street. Ele pinta em fachadas caindo aos pedaços, é ajudado por artesãos locais ou mesmo pelos moradores, pinta lápides e chega até a mudar a cara da capela do cemitério, respeitando o público, como ele mesmo diz, não utilizando ali as ironias que normalmente transparecem em suas pinturas. A cidade e seus personagens atuando com o artista

Stephan Doitschinoff firma-se no cenário mundial como grande expoente por produzir linguagem artística inovadora com delicadeza, força e respeito. Conseguir bons comentários de grandes galeristas e críticos d’uma arte vinda das ruas é um grande feito e de imenso mérito. Eu gostaria muito de ter nem que fosse uma mínima imagem do Calma na minha sala.