Homenageando o Manifesto Antropófago de Oswald de Andrade, Zé Celso traz de volta ao Teatro Oficina o espetáculo Macumba Antropófaga, apresentando grandes nomes da história da arte brasileira, entoados por um coro de jovens atores que se reconhecem como “bichos humanos”. Quando me convidaram para assistir à peça, me avisaram que não era para os fracos. E não é, de fato. Não que o nu ou as sugestões sexuais propostos por Zé Celso sejam um grande problema. O choque inicial pode até atingir os mais conservadores, mas essa inquietação não dura muito tempo.

Em termo gerais, a ousadia é um dos aspectos mais associados à figura de José Celso Martinez Corrêa, um dos mais importantes encenadores do Brasil atualmente. A exploração da nudez em suas peças rendeu a sensacionalista alcunha às suas montagens de “teatro pornô”, o que, definitivamente, não é o caso. O sexo está presente na temática de forma natural; talvez sejamos nós, espectadores, que não estejamos habituados a encarar nossa sexualidade naturalmente.

Esse, inclusive, é um dos pontos que Macumba Antropófaga reforça com a plateia (ou pseudoplateia, como discorrerei mais a frente), quando os atores convidam os presentes a tirar a roupa e integrar uma grande ciranda. Todas as nossas inibições perdem um pouco do sentido ao se perceber que as pessoas sem roupas – negras, brancas, gordas, magras, homens, mulheres e demais diferenças corporais – formam uma massa única, na qual é difícil distinguir quem é quem. A nudez, primeiramente escancarada em posições, gestos e palavras, assume o papel de coadjuvante.

Saindo da cansativa polêmica que envolve qualquer produção de Zé Celso, minha principal impressão ao assistir um espetáculo seu pela primeira vez foi a desconstrução total da ideia tradicional de teatro. Não há coxias, bastidores, palcos e plateia propriamente ditos. Todos esses elementos tradicionais estão expostos no galpão do Teatro Oficina. Antes disso, não há, de fato, o “teatro”, uma vez que a peça começa pelas ruas do tradicional bairro do Bexiga, no centro de São Paulo, reunindo atores, espectadores e moradores da região.

Retomando o fato de a peça “não ser para os fracos”, o principal motivo é a dinâmica de representação do conteúdo. Diálogos, intervenções, músicas e projeções acontecem em todos os espaços do Teatro Oficina, obrigando o espectador a ter uma postura ativa em relação à história, não absorvendo-a passivamente como acontece no teatro tradicional. O grande fluxo de informações e as mais de 4 horas de duração do espetáculo fazem com que os visitantes deixem o local exaustos.

Sobre a história em si, não é do tipo que se possa resumir numa crítica. Ela tem que ser vivida, experimentada e compartilhada. Cenografia, figurino, iluminação e trilha sonora são impecáveis e o conteúdo é atual e multiplataforma, incluindo um breve momento em que a plateia é instigada a twittar sobre a ocasião. O simbolismo e o resgate histórico são constantes e os atores executam as cenas aliando precisão e espontaneidade. Zé Celso convida a testemunhar a história da arte brasileira sem pudores, sem amarras e sem protocolos, do jeito que ele gosta.

Ao fim, uma aura que mistura mística e alegria dá o tom do espetáculo, que fica em cartaz até o dia 1º de julho, no Teatro Oficina. Para quem não está em São Paulo, não tem desculpa, pois é possível acompanhar a transmissão ao vivo clicando aqui.

SERVIÇO

Temporada: De 12 de maio a 01 de julho de 2012, sempre aos sábados e domingos.
Horário: 17h.
Ingressos: R$ 50,00 (inteira), R$ 25,00 (meia) e R$ 10,00 (moradores do Bixiga, mediante comprovação de residência). Desconto de 50% para clientes do cartão Petrobras e acompanhante.
Local: Estratoporto do Teatro Oficina (Rua Jaceguai, 520, Bixiga. Tel: 11. 3106-2818).
Capacidade: 350 pessoas.
Venda de Ingressos: Através do e-mail ingressosmacumba@teatroficina.com.br ou na bilheteria do Teatro Oficina (no dia das sessões, a partir das 16h).
Indicação etária: 16 anos

“É terrível pensar…

Que na nossa vida, na nossa história, na própria história da humanidade

Sempre pareceu…

Que alguma coisa muito esplêndida e muito solene estava para acontecer…

E não foi assim!”

No último sábado fui assitir a estreia do espetáculo Quase Sólidos, da Trupe de Copas, no Teatro Apolo. Em dia de CinePE e APR Club, não poderia ter feito escolha melhor. Não que eu tenha nada de ruim a falar dos festivais de cinema ou rock, mas foi no teatro que fiquei arrepiado, desnorteado até, com lágrimas nos olhos e largos sorrisos no rosto.

Quase Sólidos fala de amor, de morte, do progresso e da vida nas cidades. Tem momentos de profunda tristeza e agonia, que alternam-se em textos leves e engraçados, principalmente quando o assunto é o amor. A excelente performance dos atores Eron Villar, Júnior Aguiar e Viviane Bezerra, sob direção de Elias Mouret, é o centro de toda a peça, praticamente sem cenário ou objetos em cena além do indispensável, mas com suporte perfeito da iluminação e das projeções, aliadas à trilha sonora.

O espetáculo está em cartaz no Teato Apolo todos os sábados e domingos deste mês, exceto no dia 30 de maio, às 20h. No dia 18 de maio estará no Teatro Milton Baccarelli (CAC-UFPE), às 18h30, em única apresentação. Os ingressos custam apenas R$10,00 (inteira) e R$5,00 (meia).

Neste último final de semana, o teatro da UFPE recebeu uma das peças mais importantes do dramaturgo inglês William Shakespeare: Hamlet. Esta montagem brasileira foi dirigida por Aderbal Freire-Filho e protagonizada pelo ótimo Wagner Moura. Infelizmente não pude comparecer porque os ingressos esgotaram-se rapidamente. Aparentemente a popularidade do inglês anda em alta. Ou seria de Wagner “Capitão Nascimento” Moura? Tenho minhas dúvidas.

Ironias à parte, Shakespeare apareceu na minha vida através do cineasta Orson Welles e a sua visão de “Macbeth” me deixou boquiaberto de imediato. Aquela força nas palavras e no constante duelo retórico me encantou imediatamente. Mas o meu primeiro livro/peça foi outro, “Ricardo III” até hoje é o meu preferido. O anti-herói em pessoa e sua busca incessante pelo poder, esbarrando com o medo de morrer foram os elementos que mais me cativaram. “Um cavalo! Meu reino por um cavalo!”

E daí vieram outras grandes obras como: “Rei Lear”, “Othelo”, “A Comédia dos Erros”, “O Mercador de Veneza”, “Megera Domada” e tantas outras. Mas foi em “Hamlet” que me senti diante de uma obra perfeita.

Hamlet é o príncipe da Dinamarca que se encontra em luto por causa da morte do seu pai. E a sua mãe dias após o falecimento do Rei decide se casar com o seu tio Cláudio. Hamlet não sente mais razão para viver, encontra-se desolado por tamanha traição e desonra a memória do seu querido pai. Até que certo dia, soldados do reino o chamam para uma revelação. O fantasma de seu pai, o Rei Hamlet, acabara de aparecer. O espectro – como é identificado no livro – dissera que fora envenenado pelo irmão e pedira vingança. O príncipe Hamlet imediatamente jura vingança e sai em disparada a pensar num plano.

A história em questão não passaria de um melodrama de segunda se não fosse pelo brilhantismo de William Shakespeare. A vingança se torna o elemento necessário para que assim possamos analisar todo o comportamento e personalidade do personagem principal.

Hamlet freqüentou as melhores universidades, é um intelectual e não um guerreiro como pai. Basicamente um filósofo pretendente ao trono, e é através dessa característica de sua personalidade que a trama se desenvolve. A luta do agir contra a consciência impregnada no seu ser. É essa autoconsciência que tão bem determina essa obra. O ímpeto de agir é sempre freado pela análise completa das conseqüências de suas ações.

Shakespeare além de tudo cria um personagem que é uma incógnita. A sua variação de personalidade beira a loucura, mas mesmo assim nunca deixa claro essa realidade. Não se tem certeza do que ele está pensando, se é apenas parte do seu plano de vingança ou se está perdido pelas suas indagações. Não se sabe ao certo. As suas ironias e o seu carisma fazem todos de tolos. É um herói transcendental.

William Shakespeare consegue através de “Hamlet” chegar à maturidade abrangindo todos os elementos que compõe as suas obras em uma única peça. O drama-histórico, a tragédia, a comédia, a sátira e o romance estão aqui presentes. “Hamlet” desafia o ser humano ao autoconhecimento e impõe constantemente a análise das suas ações. Estamos sempre sendo desafiados e colocados em xeque.

“Nada em si é bom ou mau; tudo depende daquilo que pensamos.”

(Cena II, Ato II Hamlet)

Ando muito sentimental. Sim, é um fato. Como uma boa sagitariana, tenho me visto freqüentemente repensando sensações e sentimentos, num turbilhão de idéias que às vezes quase me sufoca; acho que só não sufoca porque o trabalho não dá tempo pra isso, rs.

No meio do meu “caos sentimental”, duas coisas muito boas aconteceram esse mês, e como uma boa sagitariana de novo, quero dividi-las com vocês.

A primeira delas foi a mostra de Vik Muniz, que está em cartaz aqui no MASP. Confesso que tinha certo preconceito com a obra dele; achava besta, rasa, entretenimento puro. E, agora, confesso que fui uma grande idiota. A obra de Vik Muniz é a prova de que um sentimento pode ser representado de uma maneira muito complexa e ter uma compreensão muito simples; de que uma imagem pode provocar muitas reações, todos eles genuínos; que nossos olhos estão acostumados a olhar para as coisas, e não a VER as coisas; e que um exercício de observação pode se tornar uma grande brincadeira.

Essa mostra fez um “carinho” tão grande no meu peito… vi como a felicidade pode ser simples e como os sentimentos não precisam ser profundos para serem “sentidos”. Fiquei feliz.

Aí estava eu, curtindo o auge da minha felicidade e começando a compreender melhor meus sentimentos, quando fui assistir à peça “A Alma Imoral”; baseada no livro de um rabino que questiona a tradição (??) e o real papel do corpo e da alma na nossa existência, a peça coloca em xeque algumas “verdades” modernas, à luz de parábolas religiosas. E, pra melhorar ainda mais, fui ao teatro com a minha mãe!

A peça é uma constante provocação ao pensamento “moderno”, e questiona coisas que parecem óbvias, mas não são. Provoca através de um texto cheio de frases de impacto, como “não existe traição sem tradição”, e uma das minhas favoritas, “não há transgressão se não há esperança no futuro”.

Eu – a pessoa cheia de sentimentos – chorei, ri, e fiquei dias pensando em tudo o que ouvi. E decidi que sim, vou levar meus sentimentos mais a sério, vou ter menos medo de sentir. Afinal sou uma espécie em evolução, e é através do enriquecimento da minha alma que eu posso contribuir com esse processo tão bonito do ser (ou de ser) humano.