Dos dias 04 a 13 de Novembro de 2011, Recife teve a oportunidade de assistir a mais de 150 filmes, entre curtas e longas metragens, através da quarta edição do Janela Internacional de Cinema do Recife. Um festival que cresce cada vez mais, contudo não deixando de lado as suas ideologias artísticas. A programação elaborada pelo jornalista e cineasta Kleber Mendonça Filho, conteve a mesma estrutura de dividir os filmes em sessões que criam laços estéticos ou temáticos parecidos. Esse ano dei uma maior atenção aos curtas-metragens nacionais. Além do presente oferecido a nós espectadores, a filmografia completa do cineasta Stanley Kubrick exibidos no belíssimo cinema São Luiz.


GRITOS PRIMAIS

De imediato, o curta-metragem Da Origem (2011), dirigido por Fabio Baldo, encanta pelo seu design de produção, retratando com muita competência o período da Pré-História, mas se tornando ao mesmo tempo atemporal no seu discurso. A análise do poder (aqui a descoberta do fogo) como elemento formador da sociedade é o mote ideal para deixá-lo atual e instigante.

Já em Avalons (2011), também trabalhado intensamente em um conceito estético, o discurso é vazio, focando claramente para o vislumbre visual. Retratando uma espécie de mundo medieval estilizado, o filme apela para gags infantis que soam na maioria das vezes idiotas e sem conteúdo. O roteiro nitidamente destoa da seriedade e compromisso da conceituação artística implantada na elaboração desse mundo fantástico.

Em Porcelana (2010), a câmera adquire, desde seus primeiros minutos, um compromisso de cumplicidade com a história. Apostando inicialmente na câmera estática, o nosso olhar é levado a procurar respostas por todo o cenário, tentando desesperadamente entender o que acontece em tela. Utilizando uma estrutura narrativa que lembra Aleksandr Sokurov, mais especificamente na sua obra O Sol (Solntse, 2005) o filme é bastante eficaz na sua proposta de sensações.

Cachoeira (2010) conta a história de jovens indígenas do alto do Rio Negro na Amazônia que praticam rituais suicidas após ingerirem a tal da “bebeiragem”, uma espécie de mistura de cachaça e fumo. O cineasta Sergio José de Andrade percebeu a importância dessa história, inspirada em fatos reais, e a contou de uma forma muita sensível, mas ao mesmo tempo bastante forte e crua. Abordando de uma forma alarmista, mas fugindo do tom assistencialista, o filme retrata a realidade dos jovens indígenas em se adaptar a novos paradigmas sociais, que consequentemente os levam aos mesmos problemas sociais do “homem branco”, como no caso em questão ao alcoolismo. As relações econômicas se misturam ao misticismo, nos levando a uma jornada sensível e ao mesmo tempo preocupante.


MEU ESPAÇO

Monja (2011) é aquele típico curta-metragem que versa sobre o minimalismo de suas imagens e o estranhismo de seus personagens. Utilizando uma câmera quase estática, o filme demonstra a inadequação de sua personagem principal em seu ambiente e a dificuldade de interagir com os mais simples dos objetos. Durante boa parte do filme comecei a idealizar uma espécie de síndrome do pânico e relacionar as ações da personagem com a doença, até que ela decide parar de agir como uma idiota que não sabe mexer no ventilador e ir ao shopping. Um filme vazio e sem propósito que tenta ser diferente, mas que consegue ser igual a todos os que propõem esse “pseudo-minimalismo”.

Os Sapos (2011) é um ótimo e bem humorado estudo de personagens. O filme é engendrado quando um casal decide passar uns dias em uma rústica casa de campo e uma amiga de infância é convidada para o final de semana. O casal possui uma dinâmica bastante realista e leve, já que ambos chamam-se carinhosamente por patentes militares (o homem como sargento e a mulher como capitão) e durante todo o filme ficamos em dúvida sobre a verdadeira densidade do relacionamento. A amiga em questão vem para colocar esse relacionamento em xeque. No final das contas, percebe-se que a hierarquia das patentes se mostrou inverso da realidade, que a capitã era submissa ao sargento e que, às vezes, as pessoas são felizes mesmo engolindo “sapos”.

A Janela (ou Vesúvio) (2010) tenta ilustrar uma crítica ao aprisionamento da família brasileira devido à violência, mas se torna óbvia e um tanto simplista utilizando a TV e seus programas policiais como motor principal de sua mensagem. O filme chega ao rasteiro quando diante de um travelling muito mal realizado, utiliza uma grade e relaciona a sensação de estar protegido com a de aprisionado. Ao final, vemos toda uma família unida e sitiada dentro de um quarto assistindo a realidade através da TV, ou “janela”.

O Hóspede (2011) conta a história de uma pousada no interior da Paraíba que recebe um “viajante” misterioso, e combinado a estranhos eventos narrados pelo rádio, o proprietário começa a investigar esse enigmático hospedeiro. Fazendo um paralelo da transmissão de Orson Welles da obra “Guerra dos Mundos” de H.G. Wells, com a filmografia dos cineastas de terror da década de 50, o curta torna-se uma verdadeira espécime de um filme de gênero. Apostando no preto e branco, realça a importância das sombras no gênero e na trilha estridente, captando o tom ideal para o suspense. O humor também está muito presente durante todo o curta, tanto do casal dono da pousada, quanto do próprio hóspede e das situações absurdas. Também deixa transparecer homenagens ao cinema da parceria Ed Wood e Bela Lugosi. Infelizmente, quando o tema foi colocado em discussão, os realizadores foram bastante defensivos sobre essa temática trash, rebatendo a comicidade do projeto e deixando claro que a intenção nunca foi fazer humor e sim um terror. Sinto informá-los, mas ao lançarem um filme, a única interpretação que conta é a do espectador.

Acercadacana (2010) é um documentário que denuncia a realidade de algumas famílias – especificamente Dona Maria Francisca – na área canavial da Zona da Mata de Pernambuco. Ao iniciar, o filme mostra-se muito inteligente em sua estrutura narrativa quando, para situar o espectador, opta por ter o motorista que levará a equipe de produção ao encontro de Dona Maria explicando toda a história envolvendo interesses do Grupo Petribu e moradores da região. Infelizmente, por causa de um problema de áudio ficamos sem metade da explicação da história. Mas o que realmente importa é que famílias foram retiradas, muitas vezes forçadas a saírem de suas casas para apropriação de seus terrenos e assim terem explorados a cana de açúcar e consequentemente o etanol. O filme retrata a obstinação de Dona Maria em permanecer na casa em que morou durante 40 anos, contra os interesses de uma empresa política e economicamente forte.


SALVAR ARQUIVO

Raimundo dos Queijos (2011), propõe uma mixagem de elementos documentais e ficcionais, retratando o tal Raimundo dos Queijos, mercearia durante a semana, e bodega aos finais de semana. Um filme bastante eficaz ao demonstrar o ambiente popular e diversificado do espaço. Busca observar a interação dos habitués do local, regado a muita cerveja, música e pessoas felizes. O filme rapidamente consegue apresentar os personagens, mesmo que de longe, como se fosse apenas uma espiada, e dar personalidade a todas aquelas pessoas tão diferentes, mas que interagem tão bem juntas. Além disso, muito acertada a escolha de incluir um personagem fictício na história, como se nós estivéssemos lá, também tomando uma gelada.

Ovos de Dinossauro na Sala de Estar (2011) é um daqueles filmes que ficam com você ao sair da sala, que nos traz uma nostalgia, mesmo de uma história que nunca vivemos. Um documentário sobre Guido Borgomanero, o maior colecionador de fósseis da America Latina, mas o que o difere de tantos outros documentários é que conhecemos sua historia através de sua esposa, Ragnhil. Carismática e bastante engraçada – mesmo que involuntariamente -, ela consegue transmitir o amor pelo marido através de imagens do passado e ao mesmo tempo combater a solidão que claramente a persegue.

La Lira de Maurilia (2011) é um filme singelo que depende exclusivamente de sua protagonista, Maurilia. Claramente um desvio de produção do verdadeiro projeto fílmico. A equipe encontrou graciosidade naquela menina recitando Cecília Meirelles, no melhor estilo trava-língua. Utilizando a repetição das imagens como rima narrativa com o próprio texto recitado da garota, o filme não passa de um segmento de história.

Calma Monga, Calma (2011) é daqueles filmes que nascem derivados de outras obras. Visivelmente uma cria de Recife Frio, curta-metragem de Kleber Mendonça Filho, o filme utiliza a mesma estrutura narrativa de mockumentary, contudo iguala-se esteticamente em qualidade. O filme narra a história de uma criatura “simiesca”, “balduína”, ou Monga, que apavora a cidade do Recife, inclusive em seus lugares mais “inóspitos”, como cinemas pornôs ou os clássicos bacurais. Utilizando o programa policial “Isto é Remoso” – referência ao “Sem Meias Palavras” – como condutor desse terror “lendoso”, o filme possui uma construção de humor regional e que não abandona a crítica social – vide a cena da mesa redonda de Samir Abou Hana e seus convidados fantásticos. Referenciando as lendas urbanas recifenses como Galeguinho do Coque e Biu do Olho Verde, o curta nos entrega momentos cômicos tão simples e bem elaborados como “foi pro cinema e acabou sendo comido pela macaca”, e “é uma mistura de Tony Ramos com Wolverine” que obrigatoriamente já virou parte da cultura recifense.


FILMADOS EM LOCAÇÃO

Com Vista para o Céu (2011), filme dirigido pelo ótimo Allan Ribeiro, retrata a realidade dos conjuntos de edifícios populosos, onde a relação entre moradores é um tanto transitória, e que consequentemente torna-se sem proximidade, mas que através de simples gestos busca-se essa interatividade entre os seus próximos. É o caso desse interessantíssimo curta que diante da incomunicabilidade utiliza-se da música para a comunhão e quem sabe deixar mais próximo os personagens e suas idiossincrasias. Ao final, o elevador é o personagem comum, os olhos de todo aquele mundo.

Dia Estrelado (2011) é uma animação em Stop Motion que preza intensamente pela qualidade técnica e narrativa. Apostando na mistura do real e do cru ao caricato, o filme toma uma densidade de conteúdo digna de palmas. Retratando a difícil realidade do sertanejo nordestino, abraça a rotina de uma família na árdua tarefa de sobreviver às diversidades. A sensação de calor está sempre presente, optando pelo céu como uma grande paleta de vermelho e amarelo, contudo o design artístico da produção também alivia essa secura através de elementos mais leves e bem humorados, como a composição característica dos personagens. Um frescor para animação brasileira.

Praça Walt Disney (2011) é mais um exemplar da atual cena cinematográfica recifense que busca retratar a realidade urbanística da nossa cidade. Sendo desde o inicio um documentário de percepção, utiliza como ponto de partida a Praça Walt Disney em Boa Viagem e com isso passeia pelos elementos que formam a nossa cidade e seus moradores. Pontual na sua critica à verticalização da cidade, o filme se beneficia pela sua graciosidade em misturar elementos do filme Fantasia (1940) com as peculiaridades dos personagens daquele bairro. Infelizmente, a crítica às vezes perde o foco, desviando a discussão na utilização de outras estruturas narrativas.

A Prancheta quer te levar para o IV Janela de Cinema. Para concorrer a um passaporte com acesso a todos os filmes do festival, basta dizer quais os três filmes abaixo e torcer para ser sorteado entre os que acertarem. Dica importante: todos os filmes são de Kubrick, diretor homenageado no festival com 12 longas.

Deixe seu palpite nos comentários ou participe através da nossa fan page no Facebook. O resultado será divulgado amanhã.

*UPDATE: O vencedor da promoção foi Thaynam Lázaro, que comentou na nossa fan page. Veja o resultado do sorteio aqui.

Respostas:
1. O Iluminado (The Shining, 1980)
2. Laranja Mecânica (A Clockwork Orange, 1971)
3. 2001: Uma Odisséia no Espaço (2001: A Space Odyssey, 1968)

Halloween, meu povo! E para os que não irão a baladas especialmente realizadas para comemorar a data – seja por falta de vontade ou porque o despertador histérico se manifestará em um horário ingrato no dia seguinte, que tal uma sessão especial com direito a sangue, terror trash, clássicos e bruxaria? Para animar a ocasião: uma listinha que não consiste exatamente em um top 5 do tema, mas cuja mistura pode ficar interessante.

Halloween – A noite do terror (Halloween / 1978/ 90min. / Dir. John Carpenter)

Não poderia começar essa lista de outra maneira se não com o clássico que leva o nome da festa! Após cometer um assassinato, o psicopata Michael Myers vive em uma instituição durante 15 anos até que consegue fugir e retorna à sua cidade natal a fim de dar continuidade a uma série de mortes que aterroriza o local.

Michael Myers e aquela sua máscara branca que o deixa sem expressão consegue dar o tom certo. Uma boa maneira de começar a sessão. Só não vá ver todas as continuações de uma vez só, se não você terá que assistir a 7.397 filmes… É melhor ir devagar.

A Morte do demônio (The Evil Dead/ 1981/ Dir. Sam Raimi)

Cinco jovens decidem passar o fim de semana em uma casa isolada. Lá, encontram um livro repleto de encantamentos demoníacos. Após ler alguns desses textos precisam lidar com as consequências e com os espíritos maléficos que passam a atormentá-los.

Clássico trash, A Morte do demônio apresenta muito sangue, efeitos toscos, secreções e uma pitada de violência nada agradável aos olhos mais tranquilos, mas, após 30 anos, continua funcionando muito bem para os fãs do gênero. Vale ressaltar que, após Homem Aranha um, dois e três, Sam Raimi voltou ao terror trash em 2009 com o ótimo Arraste-me para o inferno. Fica a dica!

O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby/ 1968/ 142min./ Dir. Roman Polanski)

Um jovem casal passa a morar em um edifício habitado por vizinhos estranhos. Essa nova convivência gera mudanças e, assim que a mulher engravida, passa a ter alucinações que a fazem crer que ela está cercada por uma seita malígna.

Apesar de não ser regado à sangue, O bebê de Rosemary não poderia ficar de fora. Representanto o terror psicológico, segue na contra mão dos filmes já citados. Nada de terror explícito ou psicopatas mascarados,  mas é capaz de mexer com os nervos de qualquer um.

Pânico (Scream/ 1996/ 110min./ Dir. Wes Craven)

Uma pacata cidade passa a ser aterrorizada por um psicopata que, antes de matar, liga para as suas vítimas a fim de fazer um jogo de perguntas e respostas sobre filmes de terror. Quem acertar, vive. Quem errar, morre.

Representando os maníacos cinematográficos dos anos 90, Pânico conseguiu revitalizar o gênero por meio de um enredo interessante, que fazia com que os espectadores entrassem no jogo a fim de descobrir quem estava por baixo da máscara. Tudo bem que o fato de o longa ter gerado uma série tira um pouco do brilho, especialmente depois do terceiro filme… mas vamos dar um desconto já que Pânico 4 (2011) conseguiu levantar a bola um pouquinho.

Jovens Bruxas (The Craft/ 1996/ 100min. / Dir. Andrew Fleming)

Uma jovem muda de cidade para começar uma nova vida. No colégio passa a conviver com três garotas envolvidas com bruxaria. Quando as quatro começam a praticar magia juntas, o poder sai de controle gerando consequencias trágicas.

Eu poderia listar O Iluminado, O Exorcista, Premonição, Jogos Mortais, A Profecia… mas não. Acho que no dia das bruxas a listinha tem que contar com um pouco de bruxaria. Então Jovens Bruxas fecha a mistura desse pacote para o Halloween.

Desde sua estreia com “Sexo, Mentiras e Videotape”, o cineasta Steven Soderbergh foi sempre considerado o porta voz do cinema independente norte-americano dos anos 90, não apenas pela temática dos seus filmes, mas também pelo estilo de produção. Ele é roteirista, diretor, montador, diretor de fotografia e também cinegrafista. Muitos do atores que trabalharam com ele, o chamam de “one man band”. Resumindo, aquele cara que faz tudo. O seu modo de produção é baseado na objetividade, de encontrar as respostas visuais da forma mais rápida e eficaz possível. Por ser o criador visual do filme e o cinegrafista, as imagens vão sendo elaboradas e decupadas ao mesmo tempo e assim a produção dos seus filmes se tornam extremamente fluidas. Em pouco mais de vinte anos de carreira, o diretor possui em seu currículo uma quantidade de filmes que equivalem a um por ano, além de sempre intercalar produções de estúdio com os seus anseios artísticos, passeando por diversas formas de abordagens narrativas e de temas. O que obviamente leva à sua inconsistência como realizador. A forma quase industrial de filmar, acrescida à necessidade quase pulsante de se afirmar como artista, deixa o cineasta em posição de criar obras brilhantes, como a incursão no mundo do narcotráfico em “Traffic”, e verdadeiros fracassos, como “Full Frontal”. E “Contágio”, o mais novo filme do diretor, felizmente se aproxima dos seus momentos mais áureos.

Utilizando uma estrutura parecida com “Traffic” – filme que lhe agraciou com a estatueta dourada de melhor diretor –, Steven Soderbergh busca dar voz a todos os elementos integrantes de uma crise epidemiológica, deixando claro logo em seu prólogo o alcance mundial dessa crise (mostrando os países através dos habitantes afetados pelo vírus) e a sua rápida proliferação – clara alusão à globalização e à velocidade atual da informação.

Igualmente a “Traffic”, o filme é todo construído através de um mosaico de personagens, cada um representando uma esfera compositiva de uma crise desse porte. Matt Damon é o personagem/espectador, aquele pai de família que, à parte do conhecimento científico, possui apenas preocupações de caráter social, como prover segurança e alimentação para sua família. Não possui características heróicas e nem tenta ter influência direta na resolução dos problemas. É apenas uma pessoa comum. Enquanto intercaladamente vemos as angústias do homem comum, acompanhamos as investigações científicas sendo retratadas não apenas por um único órgão ou uma única pessoa responsável. As responsabilidades vão sendo divididas entre órgãos administrativos, governamentais e científicos, dando o tom de realidade exata para sentirmos o temor inicial. Além de que o filme acerta em dar vida aos personagens, e não apenas transformá-los em propulsores de dados e termos científicos. E em vários momentos, médicos e governantes se propiciam de seu status para proteger ou alertar familiares ou amigos próximos, dando um toque extremamente pessoal e humano. Um outro segmento bastante discutido no filme é a da liberdade de informação. Representado por um jornalista independente – um blogueiro -, o filme faz um retrato da atualidade e das novas mídias e fontes de informação. No caso em questão, o blogueiro interpretado por Jude Law, tenta através de sua “influência”, ou melhor, pageviews, criar ou espalhar (nunca é deixado claro a veracidade da informação) uma teoria da conspiração envolvendo o governo, companhias farmacêuticas e consequentemente milhões de dólares. Na verdade, hoje em dia até o conhecimento de uma epidemia é já discutida e alarmada através de divulgação de vídeos (feitos minutos antes do upload) e nas redes sociais. E mesmo que não se aprofunde no assunto, é bastante interessante como é abordado. A proliferação do vírus é proporcional à do pânico gerado.

O mais interessante do filme é a sua postura jornalística e não apenas a de caráter investigativo, como vemos normalmente. É incorporado à sua estrutura narrativa outros tons jornalísticos, como o emocional e popular, o científico, e obviamente, o alarmante, utilizando uma metalinguagem que recria as sensações de viver perante uma crise desse tipo, com o ritmo imposto em sua narrativa. A sensação de alarmismo e urgência vai diminuindo durante a projeção. O que normalmente seria considerado uma quebra de ritmo ou de interesse por parte do espectador, aqui se torna uma alegoria interessante e muito bem utilizada. Percebemos então que o filme que estava tão angustiante e deseperançoso – em níveis quase apocalípticos – vai abandonando essa sensação de desepero e urgência, para abraçar a normalidade, exatamente como a vida real. Ou não tivemos recentemente esse exagero e necessidade de “apocalipse” na gripe suína?

Steven Soderbergh anunciou nesse ano sua aposentadoria. Diz que a indústria do cinema não lhe interessa mais, e que apenas terminará de fazer os filmes a que se comprometeu. Uma pena que uma cineasta tão entusiasta e interessante abandone as telonas. Pelo menos existem seus filmes.