Escolhi um artista para comentar no post de hoje, alguém que desde as primeiras matérias que li, tem me intrigado bastante. Muito por produzir arte contemporânea nos moldes da desconstrução, da inovação e tendo pouco da cultura clássica de arte em seus trabalhos. Costumo gostar bem mais dos que vêem a tela, a escultura em pedestal ou qualquer outra característica clássica de produzir arte como mais interessante.

Richard Serra, nasceu em 1939 nos EUA e começa sua carreira produzindo telas expressionistas na faculdade, mas logo foge para a escultura. A abstração parece ser o grande ponto desse artista que em vários momentos de sua carreira explodiu em raiva, brigas, discussões e decisões judiciais em defesa do que acredita.

Conhecido no meio das artes por ser altamente controverso, orgulhoso, briguento Richard Serra possui uma opinião sobre o fato de ser artista que considero um dos maiores, senão o maior incentivo para fazer arte. No programa de entrevistas do americano Charlie Rose, Serra uma vez comentou que sabe desenhar melhor que um arquiteto, e isto é uma das atribuições para que ele seja considerado artista e Frank Gehry, não. Serra não tinha qualquer desavença com Gehry, eram até amigos próximos. Falando isso, Serra quis dizer que trabalhos de arte são “intencionalmente inúteis, que suas significações são poéticas, internas”, enquanto o trabalho do arquiteto tem de ser transposto de acordo com as necessidades do cliente e das utilidades da construção, por mais escultural que seja o exterior. Não tendo assim o arquiteto a “obrigação” de saber desenhar, utilizar tintas, ou de fato ter de trabalhar com a obra de forma “manufatural”. Eu não concordo em gênero, numero e grau com ele, mas entendo de coração a sua intenção e força como artista. Ele entende que suas idéias não têm de obedecer às demandas de um mercado extremamente ligado as tendências e decisões alheias.

Vejo Serra como um artista-químico-físico. Ainda adolescente trabalhava em suas férias numa siderúrgica onde teve seu primeiro contato com o metal e com o trabalho em altas temperaturas. Filho de um espanhol e de uma russa, Serra se formou em Inglês e pós-graduou em Arte na Yale, tendo como colegas de classe nomes conhecidos da arte contemporânea como Chuck Close e Nancy Graves. Serra diz ter renunciado da pintura abstrata após ter visto de perto o famoso As Meninas, de Velázquez, julgando-se incapaz de produzir algo de tamanha beleza.

Após voltar de uma temporada na Europa na segunda metade da década de 1960, Serra mergulha na onda do minimalismo e da desconstrução em que os artistas como Carl Andre, Donald Judd e reminiscências da influencia de Mondrian produziam. A escultura parecia encontrar a abstração em ângulos retos, tecnológicos, limpos e em muitas ocasiões, nada mais que experimentais. Época que, em minha opinião, fez seus trabalhos mais fracos. Um deles eram quantidades de borracha ou chumbo derretidas arremessadas a parede produzindo formas ao escorrer. A outra série consistia em ver a arte como o processo e não o resultado. Escreveu vários verbos ativos como “dobrar, vincar, torcer, cortar” e os aplicava ao chumbo, não interessando o que teria como resultado.

Logo após começa a trabalhar com o aço e a perceber a força e estabilidade que este material poderia proporcionar. Estes são os trabalhos que considero de fato interessantes em significação e em processo, juntos como acredito ser o trabalho do artista. Placas de aço com inúmeros comprimentos e alturas aplicadas ao meio urbano ou rural, mudando a percepção do local e quiçá do passante. Placas que pesam toneladas e possuem autossustentação (algo defendido desde sempre por Serra como uma condição para a criação destas obras). Não há pregos, amarras ao chão, nada. Apenas o peso, gravidade e cálculos perfeitos fazem tais estruturas manterem-se em pé, sendo inclinadas ou não. Com esses trabalhos Serra é visto como um artista genuinamente contemporâneo, utilizando materiais novos, indústria e inserção no meio urbano, tendo reconhecimento internacional e várias encomendas.

Em especial foi uma das mais comentadas e discutidas de suas obras, intitulada de Tilted Arc. A placa com 4 metros de altura e 40 de comprimento, instalada em 1981, foi encomendada pela Secretaria de Serviços Gerais do governo federal americano, para uma esplanada em frente ao edifício público Jacok K. Kavits, em Nova York. Claro que muitos não gostavam do paredão de aço, achavam intimidadora, achavam que ia cair a qualquer momento, mas o estranhamento era esperado. A briga começou quando o juiz Edward D. Re, que trabalhava no tal prédio, escreveu cartas a Secretaria denegrindo a obra, dizendo ser local para possível proliferação de ratos e inútil por desabilitar o local para eventos públicos. O caso foi levado a discussão com responsáveis e pessoas influentes do governo e das artes. Depois de audiências e uma ação movida por Serra pedindo 30 milhões de indenização por quebra de contrato, a Tilted Arc foi removida em 1989.

Richard Serra manteve-se, mesmo em maus momentos, bem no mercado por possuir personalidade marcante e defender seus ideais como artista. Seus trabalhos inseridos nas vidas das pessoas, deixando-as experimentar, a imaginar a gravidade do objeto e de seus pensamentos. Trabalha com a abstração como forma de sentir, pois afinal cada um temos nossa impressão e esta é a verdadeira percepção da arte, senti-la.

Ontem, quando cheguei em casa da última sessão de Os Mercenários, tinha uma caixa me esperando e, se tem uma coisa que me alegra sem motivo é receber enomendas. Ainda mais quando não faço ideia do que é. Fiquei surpreso quando vi o kit sensacional da ação de lançamento do novo Fiat Uno. A caixa em si já é linda, mas, esquecendo um pouco meu lado designer, vamos nos concentrar no real conteúdo: os stencils. Talvez na sacada de que já estamos babando pelo design do novo Uno, a ação foca justamente no nosso lado artístico. São três stencils criados pelo grafiteiro Rui Amaral e um spray, que no meu caso foi azul. Fiquei louco pra sair pintando geral, mas como já passava da meia noite, deixei pra hoje.

No kit vem um passo-a-passo ensinando como pintar uma camiseta, mas eu quis ser diferente e resolvi pintar a porta do banheiro da mooz, que já é toda adesivada e rabiscada. Infelizmente não pensei muito antes de fazer e aí foi uma desgraça. A tinta escorreu, melecou tudo e nem deixou clara a ilustra do stencil. Dentro da maluquice que é essa porta, até que não foi fracasso total. Mas resolvi testar na camiseta.

Escolhi outro stencil e dessa vez deu tudo certinho. Transformei uma simples camiseta branca na minha primeira pichação. Só não ficou perfeita porque eu pintei de uma distância grande e ficou um “aerado” azul pelo resto da camisa. Mas a prática é amiga da perfeição e ainda tenho outro stencil novinho em folha. Esse fica pra outro dia.

Parece meio óbvio, mas foi por esses dias que percebi a proximidade da Arte com a História, no que se refere a “sentido do presente”. O que quero dizer com isso é: em vários momentos não percebemos ou não damos importância a movimentos, conflitos, personagens que habitam o presente. Mas precisamos que estes virem história, documento para que notemos a existência deles. Isso é natural, não mero descaso ou desinteresse nosso enquanto seres humanos muito ocupados, pois todos esses agentes precisam de tempo para maturar e principalmente (ou consequentemente) se tornar referência.

Digo isso porque de um tempo para cá tenho me deparado com trabalhos e livros sobre artistas contemporâneos que sempre me chamavam a atenção e que até conhecia seus trabalhos, mas não conhecia um rótulo ou os tinha visto como grupo de estética recorrente. Me refiro a arte Lowbrow.

A palavra Lowbrow vem do contrário para a highbrow, que significa chique, sofisticado, elitista. Diz-se ter iniciado na década de 70 nos EUA. Uma época em que muito de arte underground surgiu como uma reação para a demagogia da Guerra Fria e o movimento de Contracultura. Desta época consigo perceber o início da estética utilizada em artistas atuais, em desenhos como Rat Fink ou nos quadrinhos do Tales From the Crypt.

Há alguns anos conheci um artista chamado Mark Ryden e que me fascinou na ocasião. Primeiro por ter referências pop tão fortes como a Barbie, Teletubbies e Björk. Segundo por possuir uma técnica ímpar de pintura a óleo figurativa. E terceiro por ser tão irônico, controverso e corajoso em retratar um tema muito delicado, as crianças. Caso não saibam, a capa do álbum Dangerous do Michael Jackson é de autoria de Ryden.

Crianças parecem ser uma das mais fortes personagens do Lowbrow, figuras infantis pintadas de forma bizarra, ora com tentáculos, ora amordaçadas, ora maldosinhas. É fácil notar que muitos artistas utilizam técnicas parecidas para retratá-los. Se não são crianças retratadas, temas que as interessam, Disneyworld, bichinhos de pelúcia. Abaixo trabalhos de Kathie Olivas com três bebês fantasiados, a criança-peixe gótica de Scott Radke, a juvenil e sua pulga de estimação de Ray Ceaser e a batgirl de Lisa Petrucci.

Outras características são facilmente vistas em Lowbrow art tal como as histórias em quadrinhos, graffiti, influencias góticas, pop e kitsch. Vários deles não são vistos com bons olhos pelo mercado de arte. Acredito que este impasse exista pelo fato de seus trabalhos serem intimamente ligados a street art e por terem temas próximos a ilustração digital, não sendo reconhecidos como artistas (no sentido clássico) mas sim como ilustradores.

Sendo alheios a obediência pelo formalismo, em muitos casos trabalham fora do mercado de arte e expõem em galerias exclusivas desse tipo. Não é novidade artistas como Liz McGrath e Tara Macpherson venderem seus trabalhos de toy art ou gravuras pela internet e não ter espaço para expor.

Um termo que considero definir bem esses artistas é Pop Surrealismo. As idéias postas em tela tantas vezes é tão fora do que se vê no circuito de arte que fica difícil vê-la como tal. Em alguns trabalhos as imagens parecem ser frívolas ou feitas ao acaso, mas em outros é claro o comprometimento com uma trabalho único, de identidade e de técnicas bem exploradas.


ARTE DA VIDA

No último post, publiquei uma foto da Julianne Moore encenando um quadro do John Currin. Mais uma vez trazendo a arte para a vida, neste defile da Karla Girotto de alguns anos atrás, esta modelo estava vestida muito parecida com uma das meninas de Ray Caesar, não acham?

Começar a escrever, normalmente, é um passo não tão simples para muitos e para mim é nada diferente. Principalmente em se tratando de um assunto que julgo ser tão subjetivo como a arte. Dando um exemplo básico para tal constatação é de que todos nós possuímos o nosso próprio par de olhos, e estes são os principais responsáveis em ter o primeiro contato com o objeto arte. Não há como não considerar diferentes e inúmeras visões de uma única expressão. Se todo mundo tivesse a mesma opinião sobre um quadro como este, será que teria gente parada em frente observando?

Mas aí vem algum ser e diz: “Mas esse quadro é abstrato, cada um vai ter a sua própria opinião. Afinal não quer dizer nada diretamente, então eu tiro minhas próprias conclusões.”

Será?

Será que ninguém questiona ou quer saber mais sobre este famoso quadro de Velázquez? O porquê do pintor se retratar numa pintura que deveria apenas mostrar a família? O que pensaria a menina de branco para estar tão séria? E a anã à direita, uma criada? Por que um homem é retratado ao fundo?

Eu pelo menos, quando vejo uma tela, escultura, gravura, etc tento entender “qual é?” a da obra. Algumas simplesmente não passam uma mensagem direta, pode-se dizer, como é o caso dos abstratos, mas acabam dando alguma idéia do que quer dizer, ou o que achamos que quer dizer.

Não quero ser pretensioso, falando em sinestesias e numa linguagem blá blá blá que apenas acadêmicos entendem. Quero mostrar o que tenho conhecido e conhecer mais. E é por isso que inicio esta coluna sobre arte contemporânea, falando de um artista que utiliza técnicas tradicionais e me instigou tanto a pensar e admirar.

Esses dias estava folheando um livro (100 Contemporary Artists A-Z, 2 Volumes) na livraria que trabalho e uma pintura me chamou muito a atenção. O livro seleciona 100 artistas contemporâneos e os organiza de A-Z. Esta é a tela que me chamou atenção:

Logo de cara tive a direta ligação com fotos antigas dos anos 60 por causa do figurino das personagens com cintura alta, dos cortes de cabelo e não tive como não notar o tamanho de suas barrigas. Pareciam grávidas e ao mesmo tempo não. Percebi depois a forma da barriga da mulher de calça azul. Nota-se que ela não está esperando um bebê, mas tem o ventre mal formado ou deformado e a outra com uma barriga muito grande, pontuda e sem qualquer proporção quanto ao resto do corpo.

Não havia como não ficar intrigado. Fui pesquisar mais sobre o rapaz. Descobri não se tratar de um rapazote da vanguarda, mas de John Currin, nascido nos EUA em 1962, com dois filhos e mais de 20 anos de carreira.

Currin desde pequeno foi estimulado pela mãe, professora de piano, a saber tocar algum instrumento musical. E foi nessa empreitada seu primeiro contato com a pintura. O marido de uma colega da aula de violino tinha um atelier em casa e foi neste lugar em que o artista decidiu o que faria dali para frente. Lá ele teve aulas e aprendeu técnicas das mais clássicas de como utilizar óleo em tela. O seu professor se chamava Lev Meshberg. Currin descreve o lugar como romântico. Como se ali tivesse a aura para um artista, com naturezas-mortas manchadas, livros antigos, passarinhos em gaiolas e tintas a óleo.

Ele se formou em belas artes na universidade Carnegie Mellon em Pittsburgh, fez pós-graduação em Yale e, nessa época, o interessante é que John Currin não produzia esse tipo de arte, chamada figurativa, mas sim abstratas assumidamente inspiradas nas telas de Willem De Kooning (não achei nenhuma tela de Currin da época abstrata).

Ele gostava do expressionismo abstrato, mas algo começava a mudar. Depois de ler A boca do cavalo, de Joyce Cary, em que descreve um artista pintando arte figurativa e da frase da amiga de faculdade, Lisa Yuskavage: “Se eu não pintasse figuras, provavelmente viraria enfermeira”, John Currin sentiu que queria mudar de estilo e assim o fez, ainda bem.

Pintou retratos, velhas e naturezas-mortas até alcançar a forma que chamaria atenção para suas telas e a beleza impressa. Seus quadros sempre tiveram os oposicionistas, principalmente por retratar a mulher de forma sexista. Conseguir retratar a pornografia em tela a óleo e ainda assim fazer parecer belo e de ar artístico era sua meta. Ora mudando os rostos das atrizes em fotos de revistas do ramo, ora inserindo os personagens em ambientes em que o sexo pareça natural. Este é um tema recorrente nos trabalhos de Currin e que perduram até hoje.

Para mim, não são estes os mais interessantes. Há em muitos de seus trabalhos um limiar do quase impossível para o belo, em que pescoços muito alongados, quadris desformes, joelhos pontudos nos dão a dúbia impressão de uma harmonia estranha. Este conflito é o que me fascina. Nessa fase suas figuras femininas possuem formas únicas e quiçá estranhas. As cenas do dia-a-dia normalmente retratam a classe média alta americana e me parecem tiradas de alguma revista feminina.

Nas telas de nu feminino há claramente inspirações de Botticelli e Cranach, mas todos inseridos num contexto atual e próprio do artista, com influencia maneirista.*

Currin utiliza técnicas, como a pintura de base, em que consiste dar a cor para uma imagem, esperar secar e depois pintar por cima, obtendo um resultado diferente com a mistura das tintas. Ou nessa mesma técnica, traços que depois serão pintados novamente criando camadas e dando diferentes texturas à pintura.

Voltando ao subjetivismo, vejo um artista que sabe o que está fazendo e produzindo da forma mais sincera que consegue. Como costuma defender Ferreira Gullar: o verdadeiro artista é aquele que cria unidade e linguagem, pois acredita no que faz. Suas ideias parecem extravasar de forma tão natural que sua identidade é impressa em cada trabalho produzido, e não em diferentes produtos de “ideias brilhantes momentâneas”. Não defendo os artistas que apenas pintam, apenas esculpem ou apenas fazem instalações, acredito a arte que deva ser extensão do que somos em essência.

Currin se firmou como um dos grandes artistas figurativos da atualidade por sua destreza em técnica, escolha certa de temas e ao que me parece, um genuíno instinto artístico.

Ah! Até a Julianne Moore já fez um pastiche em fotografia de uma tela do John Currin.

Para finalizar, cito Currin: “Uma boa porção da arte hoje em dia não quer parecer arte, mas a pintura não tem como evitá-la”.


*Maneirismo: (…) Caracteriza-se pelo uso de cores brilhantes, quase vulgares, por composições elaboradas, formas exageradas e movimentos dramáticos. O termo origina-se da palavra maniera, com sentido de graça, equilíbrio e harmonia. A palavra desenvolveu uma variedade de sentidos ao longo dos séculos; no entanto, é geralmente associada à arte e aos artistas que mostravam abertamente um excesso de habilidade. Virtuosismo e capricho. (Enxerto tirado do Livro da Arte)

O Museu da Imagem e do Som está completando 40 anos e, para comemorar, traz a São Paulo o novo projeto da ROJO®, a mostra multidimensional ROJO®NOVA - Cultura Contemporânea.

Durante 7 semanas, estarão representados nos espaços Expositivo e Redondo mais de 50 artistas de todos o mundo, entre eles Mark Jenkins, Maya Hayuk, Krink, Kit Webster, Flávio Samelo, Ryuichi Kurokawa, Mulheres Barbadas e outros. Os espaços serão trabalhados aos poucos, reunindo os artistas em grupos de 7 por semana e mantendo a exposição em transformação até a festa de encerramento. Após a festa, a mostra permanecerá aberta por mais alguns dias, para que o público possa apreciar por completo os resultados das diversas camadas de arte colaborativa.

A mostra ocorre a partir de 1º de julho, às 19h e vai até o dia 15 de agosto. Os ingressos custam apenas R$4,00 (inteira) ou R$2,00 (meia) e a entrada é gratuita para maiores de 65 anos e aos domingos. Saiba mais no site do MIS.

Via Neonico.